La liga de los Cineastas Extraordinarios

Escenas Inolvidables: The Village

2011-10-05T12:13:00.000-07:00

THE VILLAGE (2004) - M. NIGHT SHYAMALAN

Hay un buen número de escenas que os podría dejar aquí de esta película, una de mis favoritas, y en mi opinión la obra maestra de Shyamalan. También la más polémica.

Os dejo esta escena principalmente porque es de las pocas que podéis disfrutar sin destripar nada de la cinta sí no la habéis visto. Otras como el monólogo de Lucius en el porche con Abbey, la réplica "del amor" del personaje de William Hurt, o la escena final podrían formar parte de este repertorio.

Quien no la haya visto comentar por encima que trata de un grupo de personas que viven en un pequeño pueblo junto a un bosque. Bosque que nunca atraviesan ya que está habitado por terribles criaturas que no salen de este. Al otro lado está la ciudad, lugar del que los miembros más antiguos del pueblo huyeron por la maldad que habían en ella. Pero ahora un joven llamado Lucius (Joaquin Phoenix) pide permiso para atravesar el bosque, e ir a la ciudad en busca de medicinas necesarias. Esto hará que las criaturas vuelvan a aparecer saliendo del bosque y atemorizando al pueblo.

De la escena en si caben destacar tres puntos:

1) La música de James Newton Howard, en la que para mí es su mejor banda sonora. Al menos la mejor colaboración con Shyamalan.

2) La fotografía de Roger Deakins.

3) Bryce Dallas Howard, cosa más bonita, ainss!

OBRA MAESTRA!

P.D.: Para cuando vuelva de Milán, la crítica de la película!

La Vida Mancha: Dejando huella

2011-09-27T05:42:00.001-07:00

-¿Por qué coño tendrá que irse la gente?

Fito lleva muchos años, desde que era un muchacho, sin ver a Pedro, su hermano mayor. Fito está casado con Juana y tiene un niño, Jon; y un camión; y una deuda con el banco; y un vicio, el juego, que le impide disfrutar de lo que tiene: Fito se lo juega todo. Un día, Pedro vuelve, solo, para pasar unos días con su hermano. Y esa visita, aparentemente corta y banal, va a cambiar sus vidas dejándoles una mancha indeleble en el corazón.

Tras el éxito de La Caja 507 (2002), Enrique Urbizu no tardó más de un año en volver a nuestras pantallas con un filme distinto, superior, y paradojicamente (aunque en este país que no te extrañe) más ignorado. Con una soberbia dirección de actores entre los que destaca nuevamente José Coronado.

La Vida Mancha es una historia hermosa, no muy sencilla. Con un guión parco de frases bonitas o sobrepeso con la historia. Son los momentos, las miradas, sus personajes, lo que sienten y lo que llegas a sentir por ellos.

Fito y Juana se quieren. Tienen un encanto de crío. Pero cada vez tienen más deudas a causa de la ludopatía de Fito y el dinero que pierde. Juana no aguanta más esa situación. Están al borde del colapso hasta que aparece Pedro, el hermanastro de Fito, del cual no han tenido noticias durante 10 años.

Salvo por su madre, Fito y Pedro no tiene nada más en común, Pedro es callado, misterioso, elegante, observador, reservado. Hay una frase que lo dice todo de él:

-¿Por qué no llamaste durante estos años?

-Pues, porque no tenía nada que decir.

Y eso va a ser crucial en la historia, ya que cuando algo rompe la rutina de nuestras vidas, irrumpe en nuestro pequeño mundo personalizado, puede dejar huella.

Fito es camionero y tendrá que salir a hacer varias entregas, lo que permitirá a Pedro y a Juana conocerse más a fondo. Este se encariña pronto de su cuñada y su sobrino, además de hacer tilín a la canguro y a una compañero de trabajo de Juana.

Pedro viste trajes elegantes y caros. Ayuda a Fito cuando este le pide dinero. No fuma delante del pequeño e impide que la canguro lo haga. Es educado. Es alguien que parece no estar en su sitio. ¿Y quién es en realidad? Todas las historias que cuenta Fito de él, lo que hicieron, lo que vivieron, Pedro lo recuerda como algo lejano y casi olvidado. Pero no hay forma de que diga quien ha sido durante estos diez años en los que en teoría estuvo viviendo en Londres. Y eso es lo mejor de la cinta, el misterio que rodea a este personaje, lo confundido que puede dejar a todos. No revela sentimientos si él no quiere. Es un jugador de la vida. Es un superviviente. Pero Juana podrá llegar a cambiar todo eso...

Urbizu firma una cinta superior y atípica de cine español. Una película que enamora al espectador, que entretiene y que le hace pensar. Nos permite ser espectadores, nada más.

Es una magnífica recomendación.

Mi nota: 10

Stalingrad: Reivindicación

2011-09-27T04:50:00.000-07:00

-Si no supiera que el tren está en marcha, pensaría que llevo 10 horas viendo el mismo paisaje.

-Sí, Rusia es grande.

Tras la segunda guerra mundial se hizo mucho cine sobre el conflicto. Americanas, británicas, rusas, francesas,... ellos siempre eran los buenos, alemanes y japoneses los malos. El único cine que podían hacer las potencias perdedoras era de denuncia al propio ejército (La trilogía de La Condición Humana en Japón); sobre el sufrimiento de la población (Roma: Citta Aperta) en Italia... Años más tarde empezarían a reivindicar que ellos también fueron víctimas. Sobretodo Alemania, que ha dado a luz una cantidad ingente de películas sobre el toma. Normal. Lo malo de cuando ya un género se toma tarde y con prisas, es que salen películas malas.

Hay excepciones. Esta es una de ellas.

Gracias, en su mayoría, al cine americano, aquel que no sea un fanático de la historia de la segunda guerra mundial, sabrá de las principales batalles en el frente de europa occidental, africa, el pacífico, pero del frente del este, del frente ruso, poquito... Fue en este frente donde más hombres murieron (soldados, civiles); tuvieron lugar las batallas más duras; y donde cambió el curso de la guerra. Para ser más exactos, todo comenzó en Stalingrado.

La película narra la historia de un grupo de soldados alemanes que viven en sus propias carnes la mayoría de las batallas y carnicerías que tuvieron lugar en la ciudad rusa. La película es un claro ejemplo de cinta antibélica. Denuncia el fanatismo de los oficiales nazis, la pésima estrategia que se llevo a cabo por parte de los boches en Stalingrado, las matanzas de civiles, pero sin ello olvidar el compañerismo y valor que derrocharon los soldados..

Estamos ante una bélica de 10. Gran fotografía, banda sonora, dirección artística,... Joseph Vilsaimer realiza con esta la mejor película de su filmografía y de la década de los noventa de Alemania. Tras la muerte de Sergio Leone cuyo proyecto inacabado trataba sobre la batalla de Stalingrado junto a Robert de Niro, Vilsaimer tomo el relevo adaptándola y dando el protagonismo a un grupo de jóvenes actores alemanes, entre los que destaca uno de mis favoritos, Thomas Kretschmann.

En definitiva, una de las mejores cintas sobre la II Guerra Mundial.

Mi Nota: 10!

El Camino a Casa: OBRA MAESTRA!

2011-09-26T09:19:00.000-07:00

Por aquel entonces, enamorarte libremente estaba mal visto.

Uno de los géneros más complicados y que más problemas da a la hora de ponerse de acuerdo es el drama romántico. Todos tenemos una película favorita o que encabeza ese género. Nos encontramos desde cintas como Sunrise (1927); Tess (1980); El Diario de Noah (2004); Brokeback Mountain (2005),... hay muchas. La siguiente película, a día de hoy, es la mía.

Tuve la suerte de descubrir al director chino Zhang Yimou en un artículo de blogdecine en el que hablaban de Ni uno menos, película de 1998 con la que el director gano el León de Oro del festival de Venecia. Al final del artículo hablaba de que apenas seis meses después ganó el Oso de Oro del festival de Berlín con otra llamada El Camino a Casa, y aunque me llamó la atención, y me encantó Ni uno menos, no me dije de verme la filmografía del director con caracter inmediato.

Otras cintas suyas como La Casa de las Dagas Voladoras o Hero si me sonaban, únicamente por su categoría de super producciones chicas que siguieron a Tigre y Dragón.

También estaba La Linterna Roja, con la que Yimou se hizo mundialmente conocido tras ganar el Oscar a Mejor Película Extranjera.

Y aunque esta última me parece, cuanto menos, notable, curiosa, y entretenida; fue con El Camino a Casa con la que me quité el sombrero.

La cinta nos cuenta la historia de Luo Yusheng, un hombre de negocias que regresa a su casa, un pueblecito en el norte de China, para asistir al funeral de su padre, maestro del pueblo. El cuerpo está en el hospital de la ciudad, y han de trasladarlo para que sea enterrado. Lo más práctico es llevarlo en un tractor para ganar tiempo, pero la madre de Yusheng insiste en que ha de ir por el camino que lleva al pueblo y que el siempre usó mediante una procesión, según dicta la tradición.

Yusheng no entiende la obsesión de su madre hasta que no se sienta a recapacitar y recordar como se conocieron sus padres.

Como reza la frase del comienzo, en una época en la que enamorarse libremente estaba mal visto. Di y Changyu son dos jóvenes que no pueden evitarlo y rompen con la norma.

Changyu es el nuevo maestro del pueblo, un chico muy joven e idealista. Di es la joven más hermosa del pueblo. Es amor a primera vista, aunque por razones obvias, es Di quien tiene más libertad de movimiento para observar a Changyu, oír cosas sobre él, y tratar de llamar su atención.

La historia es simple, a la par que hermosa. Mejor que eso no hay nada. No podemos evitar sentir un profundo cariño por el personaje de Di, por su empeño, su osadía, su persistencia por Changyu. Los sacrificios que hará, las situaciones que vivirá, el daño que ello ocasionará...

Sabemos que han de acabar juntos ya que el principio así nos lo dicen, aunque Changyu haya muerto. Lo que interesa es saber como lo consiguieron.

Curiosamente la película comienza en blanco y negro, y no pasa a color hasta que viajamos atrás en el tiempo y empieza la historia de verdad. Normalmente es al revés, pero aquí tiene una explicación lógica, o al menos para mí. La vida ya no tiene sentido para Di sin Changyu. La vida ahora es gris, antes tenía color. Ahora solo hay dolor, antes había amor.

Y no es solo el como se conocieron lo que quiere contar Yimou con esta película. Sino tratar brevemente, pero con acierto, la profunda marca que dejó Changyu en su hijo, Yusheng.

Mi Drama Romántico Favorito. Apto para todos los públicos. Preparad los pañuelos.

Mi Nota: 10

P.D.: La banda sonora solo tiene una pieza, pero madre mía, que pieza.

Habemus Papam: ¿El Discurso del Papa?

2011-09-26T08:49:00.000-07:00

Siempre he necesitado de un guía. No puedo

guiaros a vosotros.

Pues va a ser que no. Muchos tenían en mente esa idea. La idea de que debido al éxito de la británica "The King´s Speech", ganadora del Oscar, el director italiano Nanni Moretti (La Habitación del Hijo) haría una copia vaticana. Pues lo dicho, que no.

Tras de la muerte del Papa, el Cónclave (los cardenales que se encierran diariamente en la Capilla Sixtina hasta que eligen a un nuevo Papa) se reúne. Tras varias fumatas negras, finalmente el humo sale blanco. Hay Papa. Todos en la Plaza de San Pedro lo celebran, el anuncio está hecho, pero segundos antes de que presenten al Papa este sufre un ataque de ansiedad y se niega a salir a escena. En el más estricto secreto, siguiendo las antiguas costumbre y normas establecidas, han de llamar al mejor psicólogo de Roma para que trate a su santidad.

Esto es la trama. La trama dura 30 minutos, porque cuando creemos que vamos a ver El Discurso del Papa, nos encontramos con todo lo contrario. El psicólogo (Nanni Moretti) y el Papa salen en una única escena, ya que este último, acudiendo a otra psicóloga tras los muros vaticanos (ex-mujer de Moretti) consigue burlar la seguridad y escapa en busca de tiempo y libertad para recapacitar sobre su auto-rechazo de aceptar el cargo.

Por otro lado, Moretti se encuentra encerrado en El Vaticano con el resto de cardenales, ya que no pueden revelar el nombre del nuevo papa, ni abandonar los muros hasta que este haya sido presentado al pueblo. Creyendo todos que el Papa está encerrado en sus aposentos, Moretti decide organizar el primer mundial entre cardenalicios de volley-playa, con la intención de aparcar la tensión o frialdad de dentro de los muros y que ello provoque en el papa (creyéndolo aún dentro del vaticano) una reacción emocional.

La cinta es ciertamente buena. No magnífica, sino más bien, un comedia simpática. Dando una imagen de los cardenales, para muchos algo irreal. Yo creo que algo exagerada. Pero a pesar de ello la trama es interesante. El concurrir quizás se haga algo pesado, sobretodo tras la fuga del papa y el como busca su yo interior... Pero unicamente por el campeonato de Volley, el tanto de Oceanía, y la escena final, merece la pena.

No es el Moretti de La habitación del Hijo, por desgracia, pero no es la mancha es su filmografía que algunos aclaman.

Mi nota: 8

The Tree of Life: Amor-odio.

2011-09-26T08:21:00.000-07:00

Hay dos caminos que puedes seguir en la vida: El de la naturaleza, y el de lo divino.

Y cuando estás en una sala de cine con la película empezada y esta te resulta un coñazo, hay dos caminos que puedes seguir: El de levantar el culo, irte y dejar de molestar al resto con tus "¿esto que polla es?"; o el de quedarte y terminar la cinta.

Pues eso como que no le entra en la cabeza al espectador medio. Siempre con excepciones, pero en fin. Si te metes a ver una película únicamente porque sale Brad Pitt, y algunos hasta nombran a Sean Penn, sin saber de lo que va, pues...

En su quinta película como director, Terrence Malick se hace la picha un lío al narrar la historia de Jack en varios momentos de su vida. Uno comprende toda su juventud y su relación con sus padres; y la otra, mucho más breve, con un Jack adulto y las "aparentes" secuelas que le han dejado. Además de esto pues tenemos la ocasión de gozar (it´s freee!) de unas escenas preciosas de la creación del universo y de los primeros dinosaurios. Un WTF en toda regla, pero mola.

No por ello la película pierde. Bueno, sí. Perder pierde, pero para mi no. Para otros muchos sí. Me quedo con la belleza de las escenas; con la fotografía de ese genio mexicano, Emmanuel Lubezki; con la banda sonora de Alexander Desplat y algún que otro tema clásico.

Muchos dirán, "pero si es que no pasa nada", y aunque no es del todo verdad, en parte hay que darles la razón. Que Malick es muy de grabar por grabar, dejando que sus actores improvisen, y como aparezca en escena una bolsa de plástico flotando como si Dios estuviera bailando con ella, ten por seguro que lo incluirá.

A pesar de ello, no se le puede negar haber seguido un planning, quizás, con algo más de cabeza que con The New World. Las escenas de Jessica Chastain y Brad Pitt con los niños son de pura filigrana interpretativa. Aplaudo a este último por haber dejado de lado el cine exclusivamente comercial, por pasarse a uno más intelectual o indie. Sean Penn es el único mal parado, ya que su personaje fue desollado en la sala de montaje, lo cual no gustó al dos veces ganador del Oscar. Además que el mismo dijo no haber disfrutado de la película, no entender su personaje con el montaje final. Al parecer, el primer guión era lo que enamoró a Penn, y tras el rodaje, poco tenía que ver con este. Lástima. Si se cortara su parte y la de los dinosaurios no mejoraría ni empeoraría, pero si tendría algo más de sentido.

Puedes elegir dos caminos: o disfrutar lo que ves si tampoco comerte mucho la cabeza sobre lo que estás viendo en realidad y asentir como una oveja; o comerte la cabeza, no llegar a ninguna conclusión, que te sangre el oído, y enfadarte. Con esta haré una excepción y me quedare con la primera opción. Te la juegas realmente con esta película. Hay tres opciones: o no te gusta, o te gusta, o te gusta pero no sabes porqué.

Mi nota: 10!!

La Piel que Habito: Vicente, Vicente!

2011-09-26T07:39:00.000-07:00

-Ya no puedes llamarte Vicente.

Tengo claro que si tengo un hijo no lo llamaré Vicente. Para entender el porque, ver la película.

Sin ser Almodóvar santo de mi devoción, he de reconocer que hasta este verano no tenía intención alguna de ver cine suyo (al igual que le pasa a mucha a gente en este país). No es cuestión de prejuicios, es que el tío se lo ha buscado a lo largo de los años. A nosotros nos retrata como nos retrata, y nosotros lo retratamos a la hora de ir al cine. Quid pro cuo. Sin embargo, como decía, este verano me senté frente al ordenador y decidí no cerrarme puertas, o por lo menos sin una buena razón que sobrepasara lo personal. Me decanté por Hable con ella, y lo reconozco, me encantó. Me gustó de verdad. Cerrarse puertas no es bueno.

Eso me llevó hace unas pocas semanas al cine a ver La piel que habito, la última cinta del director manchego que recibió tan buenas críticas en Cannes de la prensa internacional (exceptuando la española, por supuesto).

Desde que su mujer sufrió quemaduras en todo el cuerpo a raíz de un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, ha dedicado años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla: se trata de un piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo revolucionario es preciso carece de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es de una fidelidad perruna: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana. (FILMAFFINITY)

La cinta está bien dirigida, el reparto está bien (destacando a esa belleza, también conocida como Blanca Suárez; y exceptuando al penoso Jan Cornet), pero lo que le da peso a la película es el guión (no se cuanto habrá alterado Almodóvar la novela original de Thierry Jonquet), pero el tramo final no dejará a nadie indiferente. A nadie.

Técnicamente hablando, poco más. La banda sonora a cargo de Alberto Iglesias acompaña perfectamente a la cinta, aunque no estamos hablando del mejor soundtrack del año.

Que no os engañe la brevedad de la crítica. La película gustará a quien vaya a verla sabiendo a lo que se expone. Ser un poquito abierto de mente, y sobre no todo, no cerrar puertas.

Mi nota: 8,5

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-28T16:01:00.000-07:00

Punto y final. Solo queda esperar vuestras reacciones. Espero que hayáis podido apuntar el mayor número posible de títulos de esta década al igual que yo un par de argentinas de una que por su bien espero esté escondida.

Vámonos!!!

15 - L´Ours

14 - Born on the Fourth of July

13 - The Mosquito Coast

12 - Back to the Future

11 - Aliens

10 - The Empire of the Sun

09 - Dangerous Liaisons

08 - Scarface

07 - Crimes and Misdemeanors

06 - Tess

05 - Missing

04 - The Killing Fields

03 - Platoon

02 - The Elephant Man

01 - Raging Bull

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-27T10:43:00.000-07:00

Para los que esperabais impacientemente el desenlace de esta lista con las 30 mejores, disculpad por el retraso de un día, pero pensé que sería mejor que coincidiesen con el fin de semana. Hoy traemos de las 30 hasta la 16. Mañana las 15 mejores películas de los años 80. Como siempre, más pinchando en los títulos de las cintas. Damas y caballeros, tomen asiento, ajusten sus cinturones, saquen ese cacahuete de la boca a la abuela que se atraganta por la emoción. Arrancamos!

30 - Blade Runner

29 - Henry V

28 - Full Metal Jacket

27 - Indiana Jones and the Temple of Doom

26 - The Color Purple

25 - Brubaker

24 - Rain Man

23 - The Untouchables

22 - Cinema Paradiso

21 - Batman

20 - Ran

19 - Los Santos Inocentes

18 - When the Wind Blows

17 - Amadeus

16 - Raiders of the Lost Ark

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-25T18:25:00.001-07:00

Madre mía, que 10 peliculones os traigo esta noche. Pero como siempre, hablemos de las 10 de ayer. Lo primero de todo, a esa argentina que me conoce tan bien y tan loquito me tiene en todo los sentidos (sí, me refiero a ti, gatita) búscate un lugar donde no te pueda encontrar, porque lo de los cazafantasmas... Y ojo con la de El Submarino, que va de eso, de submarinos, no de barquitos! Al menos me das alegrías como con la de los poetas.

Lalo, para eso estamos socio. Yo publico aquí películas, tu haces lo mismo, sacamos listas interminables, y luego contrastamos. Ve anotando mentalmente películas que creas que faltan por si no las conozco o no las he visto aún, que esa es la principal intención de este listado.

Dani ya me está alcanzando aunque tiene que ver si o si los poetas.

Y Bea, te digo lo mismo que a los demás, las próximos películas son muy, muy potentes. Por eso haya relegado un poco cintas como El Resplandor (sobrevalorada en mi opinión como casi todas las cintas de Kubrick).

Bueno, vamos allá:

40 - La Guerre du Feu

39 - Indiana Jones and the Last Crusade

38 - Back to the Future. Part II

37 - The Last Temptation of Christ

36 - The Year of Living Dangerously

35 - Sex, lies and videotapes

34 - My Left Foot

33 - Witness

32 - Casualties of War

31 - Die Hard

Ya solo quedan 30. Mañana las 15 siguientes!

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-24T12:03:00.000-07:00

Traspasado el ecuador del listado toca ver las 50 mejores películas de la década de los 80s. Como siempre, sigue aumentando la lista de películas pendientes de Dani y Dialoguista, a los cuales agradezco sus fieles comentarios a cada lista. Y es interesante leer a Dayanne, y su opinión sobre Galipolli y Hannah and her sisters, no estoy 100% de acuerdo con ella, pero si que son de las mejores películas de sus respectivos directores. Para mi la mejor de Weir es Master & Commander, y la de Allen Crimes and Misdemeanors.

50 - The Ghostsbusters

49 - Das Boot

48 - The Shinning

47 - Terminator

46 - Star Wars. Episode V: The Empires Strikes Back

45 - Chariots of Fire

44 - E.T.

43 - Black Rain

42 - Dead Poets Society

41 - L´homme qui plantait des arbres

Mañana mashhhh!

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-23T09:17:00.000-07:00

Más que películas recomendadas, de momento veo que la gente tiene bastantes películas pendientes de esta década. Normal, es jodido pillar muchas de ellas, y de los 70s ya ni os hablo.

60 - Gallipoli

59 - Terms of Endearment

58 - Willow

57 - Star Wars VI: Return of the Jedi

56 - Mississippi Burning

55 - The Navigator: A Medieval Odyssey

54 - The Goonies

53 - The Mission

52 - Wall Street

51 - Hannah and her sisters

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-22T17:28:00.000-07:00

Tal y como imaginaba la sorpresa de la pasada lista fue sin duda alguna la posición de Erase una vez América en un puesto bastante alto de la tabla para una película de su categoría. Mirad, a mi me pasa con Leone igual que con Kubrick, tiene películas que me gustan, que están muy bien, pero de ahí a reverenciar todo su cine, paso. Esta película me gustó a ratos, pero se me hizo algo pesada, y cuando más de 4 horas después (porque conseguí la versión extendida para enfermos) la termino me quedó como si nada hubiera pasado. He visto películas de gangsters mucho mejores. Eso si, la dirección artística, la banda sonora, la fotografía, madre mía, la cinta es toda una lección de cine en cuanto al apartado técnico se refiere. Brillante. Hace tiempo deje en la sección del blog de Temas de Bandas Sonoras uno de esta cinta que os animo a reescuchar.

Por otro lado, apuntaros todos "1984", una película que no esta nada mal y hace un mínimo de justicia a la obra maestra de George Orwell, mismo autor para los que no lo sepáis de Rebelión en la Granja.

Empezamos a rozar el Ecuador de esta lista. Por esta parte suele haber poca polémica, ya que los puestos las cintas suelen estar equilibradas en general, ni más arriba ni más abajo salvo excepciones que no hacen más que confirmar la regla.

70 - Stand By Me

69 - After Hours

68 - Grave of the Fireflies

67 - Ordinary People

66 - Heartbrake Ridge

65 - Glory

64 - Lethal Weaphon

63 - Paris, Texas

62 - Au Revoir, les enfants

61 - The Land Before Time

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-21T06:56:00.000-07:00

Jejejeje, me han encantado los comentarios de la anterior publicación. Por fin comenzaron a salir títulos más conocidos a excepción al parecer de la película de Basil, el ratón superdetective en España. Para mi, un mito de mi infancia. De hecho, en ocasiones me daba hasta miedo. La atmósfera está más que conseguida y consigue inquietar. Más si eres un niño chico.

La historia interminable, Big, Arma Letal 2, Cocodrilo Dundee son clasicazos. En cuanto a cintas como Gandhi y El nombre de la rosa que me decepcionaron notablemente me resulta curioso que no haya sorprendido mucho sus posiciones. Fanny & Alexander es una buena película, no digo lo contrario, pero es cine de Bergman, es pesado, es interminable, pero también bueno.

Continuamos:

80 - The Wall

79 - Pale Rider

78 - An American Tail

77 - Kagemusha

76 - Poltergeist

75 - Enemy Mine

74 - Predator

73 - InnerSpace

72 - 1984

71 - Once Upon A Time In America

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-20T12:08:00.000-07:00

Continuamos con las 10 siguientes (90 a 81). Los títulos de ayer eran, en su mayoría conocidos, aunque no muchos han sido vistos. Típicas películas que conoces por su reputación. A veces no hace falta más. La lista de hoy es mucho más variadas. Veréis títulos de todos lados y de diferentes tipos de géneros.

90 - Cocodrile Dundee

89 -Big

88 - Cannibal Holocaust

87 - Gandhi

86 - Lethal Weapon 2

85 - The Changeling

84 - The Neverding Story

83 - The Name of the Rose

82 - Fanny and Alexander

81 - The Great Mouse Detective

Mañana una cinta de Eastwood, una de Kurosawa y otra de Leone entre otras.

Mi TOP 100 MEJORES DE LA DÉCADA (1980/89)

2011-08-19T12:07:00.000-07:00

¿Qué mejor manera de volver al blog que con las locas listas de los TOP? Ya hemos repasado las 100 mejores películas de la reciente década y la anterior, los 90 (todas bajo mi opinión en 2010, y que serán re-editadas a finales de 2011). Por consiguiente ahora es el turno de las películas de los 80. Me ha llevado bastante tiempo, ya que de esta década tenía una lista muchísimo inferior y la gran mayoría son norteamericanas. La idea de esto es la misma que la de las dos ediciones anteriores, opinar sobre las posiciones de las películas y recomendar tanto a los que comente como a mi mismo otros títulos que no aparecen.

Pinchando en los títulos encontraréis algún tipo de información referente a la película.

100 - Rambo: First Blood Part II

99 - Tango & Cash

98 - New York Stories

97 - Superman II

96 - Star Trek IV. The Voyage Home

95 - First Blood

94 - Akira

93 - The Fly

92 - Conan the Barbarian

91 - Sudden Impact

Mañana más!

Children of Men: Sin niños, sin esperanza, sin futuro.

2011-07-02T12:24:00.000-07:00

-A ver, el proyecto humano da una cena, los hombres más sabios del mundo están ahí, y...

-Proyecto humano, ¿por qué se cree la gente ese rollo? Aunque existiera esa gente, con esas instalaciones en paradero secreto..., aunque descubrieran la cura de la infertilidad, no importa, ya es tarde. El mundo se ha ido al carajo. ¿Y sabes?, ya era tarde antes de que ocurriera lo de la infertilidad...

-Sólo te iba a contar un chiste, hombre.

Bienvenidos a la mejor recreación de un próximo y apocalíptico futuro. En el año 2027, el mundo estará sumido en el caos. ¿Guerra Nuclear?, no. ¿Zombies?, no. ¿Meteorito?, no. ¿Justin Bieber?, tampoco. Las mujeres, sencillamente, dejan de tener hijos. El planeta se ve contagiado por un brote de infertilidad que afecta a todas las mujeres del planeta, fechando nuestra esperanza de vida.

Theo es un ex-activista radical convertido en burócrata, sumamente aburrido y deprimido. Ha asumido con tesón el fin de la humanidad, y únicamente espera procurando hacer el menor ruido posible. Pero todo cambia cuando su ex-mujer, y líder de un grupo terrorista (¿quién no ha pensado eso alguna vez de su ex-?) le presenta a Kee, una joven inmigrante ilegal que está embarazada. Sin comerlo ni beberlo, Theo se verá envuelto en una peligrosa persecución tanto por parte del grupo terrorista, como por el propio gobierno británico con la única intención de reclamar politicamente el primer niño nacido en la tierra en casi 20 años. Su única esperanza es un supuesto grupo de científicos apodados "Proyecto Humano".

Tras el reconocimiento mundial que consiguió Alfonso Cuarón con Y tu mamá también (2001), y la tercera entrega de la saga de Harry Potter, El prisionero de Azkaban (2004), y en mi opinión la mejor, Cuarón tuvo la oportunidad de contar nuevamente con un gran presupuesto para adaptar la novela de P.D. James, Children of Men. James es una autora inglesa jubilada que ha dedicado gran parte de su carrera como escritora a intrigas políticas, por lo que esta novela de ciencia ficción, a pesar de su calidad, pasó algo desapercibida. Sin embargo, Cuarón decidió hacer una serie de cambios que aportaban mayor creatividad y mejoraban la historia. Transformó el personaje de Theo dándole un protagonismo absoluto, y es que aparece continuamente a lo largo de toda la película. Cumple a rajatabla la definición de protagonista.

Nos encontramos ante una historia desoladora, en un mundo que se da por perdido, donde han desaparecido las risas de los niños, pero aparece un rayo de esperanza. Como en toda buena historia, la posibilidad de salvarse, de mantener la esperanza es frágil y complicada, y para mejorarlo aún más, el héroe de la humanidad será el prototipo de anti-héroe, que sin embargo cumple. De hecho, Theo Faron es el primer héroe de la historia del cine que ha de ir en zapatillas de playa. Es muy humano, como los héroes de verdad.

La historia tiene gran cantidad de lecturas. Aporta un buen número de reflexiones, y desde luego da para rato. Pero mejor lo dejamos para otro día. Unicamente quiero comentar por encima ciertos aspectos técnicos de la película que me dejaron impactados cuando la vi en el cine con 15 años.

Para empezar la fotografía. El cuatro veces nominado al oscar (incluido por esta) Emmanuele Lubezki, a mi entender el mejor director de fotografía actual. Toda la película está rodada con la cámara al hombro, una Super 35, permitiendo unos angulares bestiales, dando una sensación de profundidad, podríamos decir que preciosa. Apenas hay cortes entre escena y escena, lo que nos permite ser uno más. De ahí, y también gracias a la habilidad de Cuarón, nos encontramos con escenas jodidamente inolvidables como la primera escena de la explosión del café; la emboscada en el bosque y posterior huida; la huida de la casa de Los Peces; o la más impresionante, la del combate en la ciudad de Wexhill.

La banda sonora. El tema principal, por llamarlo de alguna manera, es un sonido, un zumbido, parecido al de las células del oído al morir poco antes de quedarte sordo. Es lo mismo que oye Theo tras la bomba del café. El resto son temas sueltos, no elegidos precisamente al azar, cuando no algún tema original de John Tavener. Resulta más que inquietante.

Los protagonista. El, por excelencia, dueño y señor frente a la cámara, Clive Owen, que firma aquí uno de sus mejores trabajos (y tras el cual no ha podido hacer nada parecido). Es el Theo Faron, personaje que al principio llega a caer mal, no te identificas con él. Es un fracasado y abatido tipo con el cual no llegas a empatizar hasta casi los primeros 20 minutos de película. El resto es un plantel de secundarios de lujo encabezado por Juliane Moore (personaje que en la novela tenía un protagonismo mucho mayor). Un divertido y conmovedor Michael Caine como un viejo hippie humorista gráfico que cuida de su mujer, antigua periodista impedida tras ser torturada por el gobierno. Destacan también Chiwetel Ejiofor, Charlie Humman, Danny Huston, y Clare-Hope Ashitey. Esta última da vida a Kee, la joven inmigrante embarazada. Tras la presentación de la película en Venecia preguntaron a Cuarón sobre los rumores de que Emma Watson fuera la primera opción para este papel. Este lo negó en rotundo afirmando que el papel estaba pensado para una chica de color.

El director. Alfonso Cuarón. Dicho queda, un auténtica maestro de la técnica sin olvidar su oficio de contador de historias.

La cinta tuvo una buena acogida en Europa, tras las buenas críticas de Venecia, todo lo contrario que EEUU, donde tuvo una acogida tibia por parte del público. Y tiene su lógica, ya que Cuarón es un director comprometido con el arte, con su trabajo. Children of Men no es una película sencilla, fácil, agradable, con un final aceptable o hermoso, no. Es una película dura, que cuesta aceptar visualmente. Es una gota de agua en mitad del desierto. Curiosamente hubo una fuerte campaña de apoyo a su candidatura a Mejor Película para los Oscar de los fans de la película en EEUU.

Se hizo con tres nominaciones, Fotografía, Edición y Guión Adaptado, además de puntuales premios de la crítica americana.

Sin duda alguna, estamos tratando ante una joya atípica del género de ciencia-ficción. Una de las grandes obras maestras de la pasada década, y que cada vez consigue mayor número de admiradores, lo que explica el porque es considerada una obra de culto actualmente.

Mi Nota: 10!

P.D.: En mi vida un trailer me ha puesto la piel de gallina de semejante manera en un cine. Para algo usan el mejor tema de Sigur Ros!

Le Locataire: El Quimérico Inquilino

2011-06-25T02:51:00.000-07:00

Van a llevarme al suicidio.

Una de las mejores sensaciones que puede llevarse un cinéfilo es a la hora de visualizar todo la filmografía de un director o directora, descubrir mucho más que esas dos o tres películas suyas que habías visto hasta entonces y que te gustaban más o menos. Y si ya encima es una de esas obras incomprendidas a la que le ves sentido y acabas defendiendo a ultrajanza es cuando te conviertes en un paria social de esos que a mi me gustan.

Scorsese (1.63) es mi director favorito junto a Christopher Nolan; apenas hay películas fallidas en su filmografía, y tiene tres obras maestras en su quehacer, más otra por reivindicar.

Sin embargo, el último en permitirme experimentar dicha sensación está siendo el francés de origen polaco, Roman Polanski. Comienzo a sentir adoración por este pequeño director (1.65) que si bien ha tocado una serie de géneros a lo largo de su carrera, quizás sea por su introspección por el alma humana en una atmósfera hostil y sobre la que lucha por el control (algo parecido al cine de Scorsese aunque con sus claras diferencias) lo que más llama mi atención.

Rosemary´s Baby (1968), Chinatown (1974), Tess (1980), The Pianist (2002), son solo algunos ejemplos de lo que digo. Aunque la película que quiero tratar hoy con vosotros es seguramente la más personal del director en ese aspecto. Para muchos de sus fans es su obra maestra debido a ello. Creo que estamos ante una genial película superior a las protagonizadas por Mia Farrow y Jack Nicholson, pero no a las de Nastassja Kinski y Adrien Brody.

Basada muy libremente en la novela de Roland Topor, Le Locataire Chimérique, somos testigos de la historia de un polaco nacionalizado francés llamado Trelkovsky que llega a un edificio de apartamentos al oír que hay uno libre. Su anterior dueña, una joven alquilada muy agradable y sin problemas aparentes se acaba de suicidar... más bien lo ha intentado, ya que sigue en el hospital. Trelkovsky va a visitarla, siendo esta una de las escenas más importantes de la película, más adelante entenderemos la razón. Allí conoce a otra joven, amiga de la antigua inquilina. Los dos se marchan juntos para reponerse de la dura impresión y acaban en una sala de cine donde se lían. Poco días después se entera de que la dueña ha muerto por la que termina mudándose.

Él sencillamente quiere ese piso pero nunca se nos explica la razón. La historia se excusa en que hay pocos pisos a precio razonable por esos días en París, por lo que el protagonista no se lo piensa, pero el piso es para verlo. A mi por momentos me recuerda la de Torrente, el brazo tonto de la ley (1996), cuya principal función era dar asco y dar una sensación de claustofobía. En el caso de Polanski, más de lo segundo que de lo primero afortunadamente. Pero el piso no es lo único que tiene telita, no. Los demás inquilinos del edificio. Gente extraña, con pocos escrúpulos, desagradable a primera y última vista. Trelkovsky tarda poco en darse cuenta que no cuaja con ellos, pero ese es su piso y de allí no lo echan ni aunque conspiren todos contra él... y en apariencia lo hacen.

Le Locataire, de 1976, está protagonizada por el propio Polanski en un personaje alter ego suyo. Si esta película se hubiese hecho tras su huida de Estados Unidos habría tenido un transfondo mucho más interesante, ya que la cinta viene a mostrarnos la terrible alienación que sufre una persona buena, amable, algo tímida y muy respetuosa, en un ambiente hostil como el que nos presenta el director. El rígido dueño del piso que parece alquilar más un favor al concederle una oportunidad a Trelkosvky, que un piso; la portera cotilla, borde y desagradable que sirve de primer contacto entre la realidad de la calle y la de aquel edificio; los demás vecinos que se quejan por la menor muestra de ruido por parte del recién alquilado.

Polanski retrata en esta película un ambiente opresivo de tales magnitudes que no sería hasta El Pianista cuando el maestro se superase a si mismo. Superior al de Rosemary´s Baby, que aún siendo una muy buena película veo sobrevalorada al igual que Chinatown.

Polanski quiso escapar de Hollywood tras volver a la cima con precisamente Chinatown, (años más tarde escaparía por otras razones) con una película mucho más personal, para ello él mismo da vida al protagonista estando presente en todo momento. El trabajo del director como actor mejora bastante en comparación con El Baile de los Vampiros, ya que en cierto sentido Polanski más bien actua poco, sino que se confiesa delante de la cámara con las cosas que más le atormenta llegando de modo más efectivo al corazón del espectador que otros personajes de películas suyas.

No creo, es mi opinión, estar ante la obra maestra de Polanski, ni mi cinta favorita de su filmografía, ya que me sería imposible dar un único título a alguna de esas dos categorías, pero si que es una magnífica película que perfectamente podría estar en el Top 5 y que recomiendo.

Os dejo el comienzo de la película, magnífica presentación del particular escenario de esta obra:

Y el magnífico Trailer de la película.

Mi nota: 9

4 Months, 3 Weeks and 2 Days: Abortos Clandestinos

2011-06-20T06:51:00.000-07:00

Basta ya, cabrona. ¿Pero qué te has creído?, ¿qué soy gilipollas o qué? Puedo hacerte picadillo si me da la gana. Otras personas más listas que tú han intentado joderme, ¿tú lo conseguirás?, ¿dos golfas contra un tarado? A la mierda con vuestras mentiras.

Rumanía, finales de los 80s. Nos encontramos en una dictadura, pero en ningún momento se menciona. No hablamos del miedo reinante, pero lo tenemos. No somos testigos, participamos de lleno en la historia que se nos presenta.

Otilia y Gabita son dos estudiantes universitarias de Tecnología. Las dos son de origen humilde, vienen del campo, y su esperanza es trabajar en la ciudad. Comparten habitación en una residencia de estudiantes. Todo parece normal al principio. Está bien. Comenzamos con un:

-Vale

-Gracias.

Algo pasa, pero no sabemos que. Están recogiendo sus cosas como si se preparasen para un viaje. Otilia ultima detalles y recoge dinero. Consigue una habitación de hotel después de perder la reserva de otro. Ha de ir a cenar esa noche con los padres de su novio, y ha quedado con un individuo al que no conoce.

Se encuentran, se presentan y van hasta el hotel. A partir de aquí pasamos a ser partícipes más que testigos de lo que se está cociendo, y nos sentimos como tal porque hemos seguido a Otilia durante todo el día. El tipo le va a realizar un aborto clandestino a Gabita. Algo ilegal, penado con la cárcel.

En 1966 se prohibió el aborto y desde aquel momento hasta la caída del comunismo, más de 500,000 mujeres murieron por practicarse uno a escondidas. A diferencia de los países occidentales, la población apenas tenía acceso a métodos anticonceptivos. Casi el 20% de la mujeres entre 15 y 20 años (¿mujeres ya?) se practicaron un o más de un aborto.

Y aquí surge no la polémica, no el estar a favor o en contra del aborto, sino si la película está a favor o en contra. Gabita desea abortar y Otilia va a ayudarla porque en el fondo ella haría lo mismo, ¿puede ser esa entonces su opinión real? El estar a favor o en contra... El director no usa el tema del aborto en la Rumania comunista porque si. Nos presenta una situación a modo de denuncia social sobre algo ilegal en un sistema donde muchas cosas lo eran. Podría haber narrado la historia de dos pijas rubias que abortan y lo pagan con la tarjeta de crédito de papi, pero no. Son dos chicas sin apenas recursos, en un sistema opresivo. No están jodidas, lo están mucho más. Pone un situación límite, en un entorno límite. Es pura supervivencia en busca de comprensión. Las chicas tienen miedo, claro que lo tienen. Incluso la propia Otilia tiene reparos en contárselo a su novio.

Protagonizada por Anamaria Marinca (protagonista absoluta) y Laura Vasiliu; y dirigida por el debutante Cristian Mingiu, esta película es la primera de una trilogía denominada Memorias de la edad de Oro, que pretende narrar varias historias de la Rumanía comunista.

Se hizo con la Palma de Oro en Cannes, y consiguió una nominación al Globo de Oro a mejor película extranjera, arrebatada por La Escafandra y la Mariposa (Julian Fellowes, 2007). Aunque la crítica la alabó en EEUU y fue preseleccionada por la Academia de cine de Rumania, no consiguió la nominación al Oscar ese año.

Una cinta sencillamente brutal y demoledora. Con un ritmo fantástico a la par que agobiante. Con planos interminables al más puro estilo Hanneke y filmada cámara en mano para ser un protagonista más de la historia.

Mi nota: 10!

Tess: Para Sharon

2011-06-19T07:55:00.000-07:00

Señora Durbeyfield, tenga piedad de un hombre desesperado.

Dígame donde puedo encontrarla.

Nos encontramos ante una de las mejores, sino la mejor película de la filmografía de Roman Polanski. Tess, una historia que gira en torno a una muchacha y el mundo que la rodea, lleno de odio, amor, pasión y desengaño.

Todo comenzó a finales de los sesenta. Polanski, director aclamado en Europa arribó en Estados Unidos y tuvo un gran éxito por The Fearless Vampire Killers (1967) y Rosemary´s Baby (1968). Estaba casado con la hermosa actriz Sharon Tate y esperaban a su primer hijo.

Roman tuvo que hacer un viaje a Gran Bretaña para la producción de su nueva película y su mujer le recomendó una novela de Thomas Hardy, Tess of the d´Urbervilles (1891), creyendo que podría ser una gran película.

Poco después, mientras que el director polaco se encontraba trabajando en el extranjero, el grupo apodado "la familia" de James Manson entró en la casa de Polanski donde se encontraba Sharon junto a unos amigos de la pareja, matándolos a todos en uno de los crímenes más escalofriantes de los últimos años. Aquello marcó a Roman de sobremanera. El proyecto de Tess quedó en el olvido.

Pocos años después Polanski volvió a ser el foco de atención por la polémica que suscito la "supuesta" violación de una menor en la casa de Jack Nicholson. Tuvo que poner tierrra de por medio y refugiarse en Europa, más concretamente en Francia. Allí empezó a trabajar, con la ayuda del productor Claude Berri, en un proyecto que dedicaría a su mujer Sharon Tate. Tess.

La historia nos sitúa en una zona rural de Inglaterra durante la época victoriana. La joven Teresa, o Tess, vive junto a su numerosa familia de clase humilde. Un día el padre descubre que su familia desciende de un linaje de nobles, los d´Urbervilles, que se remontan hasta los normandos, y además hay unos familiares suyos desconocidos no muy lejos del lugar, por lo que decide mandar a Tess en busca de "ayuda". Allí la acoge el actual señor d´Urberville, que refleja las peores cualidades de la aristocracia, seduciendo, manipulando y abusando de la chica. Está queda embarazada pero pierde al niño poco después.

Sumida en el dolor, Tess abandona su pueblo natal y huye hasta una granja lechera donde intenta comenzar de nuevo. Allí la tratan bien y por primera vez en su vida es feliz. También conoce al apuesto Angel Clare, un noble que odia a los suyos y cuya aspiración es ser granjero. La melancolía de este hombre, junto a su personalidad y bondad enamoran a Tess, la cual es correspondida, pero el pasado de la joven la persigue en un esfuerzo para que esta no encuentre la felicidad...

La novela de Hardy es de una belleza palpable. Consigue remarcar unos personajes muy bien definidos y que no son más que un reflejo de la sociedad. Tess no es más que una mujer atrapada en un mundo de hombre cuya vida está en sus manos; el noble d´Urberville, como decía anteriormente, es un reflejo de lo peor de la sociedad victoriana; y el joven Clare, aunque posea ideales liberales y progresista, en el fondo sigue teniendo su orgullo de noble.

Pero que esta cinta sea una obra maestra no es solo mérito de Hardy o de Polanski. Lo que realmente hace que esta película sea una maravilla y cautive al espectador, por lo menos a mi, es su protagonista y la actriz que le da vida, Nastassja Kinski, ya que desde Joan Fontaine en Rebecca (Alfred Hitchcock, 1940) ninguna actriz había conseguido llenar de tanta belleza una pantalla. Una auténtica diosa mortal.

La película, curiosamente tuvo mejores críticas en Estados Unidos que en Europa, a pesar de la polémica de Polanski, obteniendo seis nominaciones (entre las que destacaron Mejor Película y Director) y consiguiendo tres (Fotografía, Dirección Artística y Vestuario). Aquel año, 1980, mismo año en el que compitió junto a dos de las mejores cintas de los 80s, Raging Bull y The Elephant Man, ganó la pasable y sobrevalorada Ordinary People, de Robert Reford. Oscars...

Mi nota: 10!

Straw Dogs: El ser que llevamos dentro

2011-06-18T08:12:00.000-07:00

Esta es mi casa, y no permitiré ningún tipo de violencia en ella.

Mi padre y yo tenemos unas cuantas películas míticas en nuestro haber. De temática diferente cada una de ellas, todas son especiales. Una de ellas es la de uno de nuestro héroes de la historia del cine, Gregory Peck, y la películas The Big Country (William Wyler, 1958), donde se aborda el tema de la cobardía, y el mostrar quien eres porque lo dicte el tipo de sociedad en el que te encuentras. En el caso de esta película, Peck era el prometido de una jovencita adinerada de Texas; van a visitar al padre de esta en uno de los mayores ranchos del lugar. Una vez allí, todos le ponen en mayor o menos medida a prueba para que demuestre que no es un cobarde, y por su actitud puede parecerlo, ya que él detesta demostrar lo que es, o lo que no es. Si se da una ocasión auténtica lo probarás.

La diferencia entre Peck en "The Big Country", y Dustin Hoffman en "Straw Dogs" es que uno no es un cobarde pero tampoco lo demuestra hasta que llega el momento. El otro si lo es pero no lo demuestra hasta que realmente siente tanto miedo que desaparece.

La trama es la siguiente: El astrofísico americano David Summer (Hoffman) se traslada a vivir al pueblo de su mujer, en Escocia. Es un hombre reservado y tímido que vive absorto en sus investigaciones y procura evitar cualquier disputa. Sin embargo, la violencia de ciertos individuos del pueblo llega a tal extremo que Summer, situado entre la espada y la pared, reacciona con las mismas armas que sus agresores para defender a su mujer y su hogar...

A Sam Peckinpah (director de la película) le llegó la adaptación de la novela "The Siege of Trencher´s Farm", en la que un grupo de individuos atacaban una casa con una familia en su interior con el único propósito de matarlos uno a uno. Se trataba de un magnífico estudio sobre el comportamiento del ser humano en distintos casos, ya sea miedo, ira, o el uso que hace de la violencia en casos extremos. Peckinpah vio posibilidades en el guión, por lo que decidió retocarlo un poco añadiendo más cosas que explotasen más aún el potencial del script. Principalmente añadió contenido sexual queriendo mostrar que junto a la supervivencia, el sexual es uno de los principales instintos del hombre.

Para eso cargó de tensión sexual a la pareja, Hoffman y George, para con los habitantes del pueblo, y mostró una escena que ha pasado a la historia polémica del cine, la de la violación por parte de dos tipos del pueblo a la mujer de Summer.

Cuando la situación ya está al límite, estos mismos indivíduos que están quebrando al matrimonio intentan entrar al asalto a la casa de estos, después de que David decida no entregarles a un retrasado del pueblo que ha atacado a una chica y se ha refugiado en su casa. Sabe que si lo hace matarán al hombre y su muerte pesará sobre él. Incluso su mujer le pide que les entregue al hombre, David está solo, tiene al mundo entero en su contra, está en peligro, pero no va a ceder. Va a luchar. Y joder si lo hace...

Straw Dogs, como digo, una genial estudio sobre el comportamiento del ser humano. No tan bestia ni dura como Dogville, pero si algo más llevadera, y en lo que a mi respecta, mucho mejor.

En breve se estrenará un remake. Dudo que supere a la original (de hecho es casi imposible), pero este tipo de películas no me molestan si con ello consiguen que la gente se interese por la cinta original, como fue mi caso, lo admito.

Mi nota: 10!

P.D.: Sobre el rodaje encontraréis una serie de anécdotas curiosas en esta fantástica crítica de blogdecine.

To Kill a Mockingbird: Matar a un Ruiseñor

2011-06-12T14:13:00.000-07:00

Hijo mío, hay muchas cosas feas en el mundo, me gustaría que no

las vieras, pero no es posible.

He aquí ante uno de los grandes clásicos del cine donde la grandeza de la película (que es bastante) es casi ensombrecida por la actuación de Gregory Peck, uno de los grandes del cine clásico.

La película no es solo conocida por la atrevida historia que contaba, sino por el desarrollo de los personajes, (los entrañables Jem y Scout), el tema que trataba (el racismo) y su personaje principal, Atticus Finch, interpretado por un Gregory Peck desbordante.

Matar a un Ruiseñor está basada en la novela homónima ganadora del premio Pulitzer de Harper Lee, en la que narra varios hechos que tuvieron gran trascendencia en su infancia, como la relación con su hermano, la figura de su padre, o el controvertido juicio que hubo en su pueblo. Harper Lee adapta su nombre al de Scout Finch, y el de su pueblo al imaginario de Maycomb, Alabama, adaptando perfectamente el estereotipo de pueblecito sureño de un modo que muchos críticos han alabado.

Matar a un Ruiseñor nos sitúa durante la gran depresión, y cuenta la historia de Scout y Jem, dos hermanos que viven en el pueblecito de Maycomb, Alabama, junto a su padre Atticus, Atticus Finch. Su madre murió pocos años atrás, por lo que su padre les dedica todo el tiempo que le permite su Bufete de abogados.

He aquí algo importante y que tenemos que compren

der. Tanto Jem como Scout son solo niños, niños que reflejan por un lado la inocencia propia de esa edad, y por otro lado las ganas de madurar para comprender lo que hay a su alrededor. De ahí que el artículo comience con una de las muchas grandes frases de la película. Atticus quiere ante todo proteger a sus hijos, pero sin ocultarles lo que pasa realmente en el mundo y en la mente de las personas. De ahí que no son solos los niños los que aprenden la lección, en cierto modo Atticus Finch refleja perfectamente la típica figura paternal que nos lo explica todo de la mejor manera posible, y de la forma más dulce. He aquí la grandeza del personaje de Peck, aunque ahora seguiremos hablando del mismo.

Llega el verano, y con este Didi, o Titi (ni idea), el cual es un niño de la edad de Scout y Jem. Algo presumido (aunque llega a caer muy simpático). Los tres juntos curiosean cerca de la casa de Boo Ridley, un extraño habitante del pequeño pueblecito, del que se rumorean muchas cosas pero que pocas son ciertas. Este personaje tendrá mucha transcendencia al final de la película, no digo más, además de ser el primer papel en el cine de otro grande del cine. ¿Quién?

Al mismo tiempo, Atticus recibe un encargo. Defender a un hombre negro al cual es acusado de violación a una joven (como no) blanca. Esta es quizás el tema más interesante de la historia, y aunque tarda un poquitín en empezar, entrelaza de un modo acertado con el resto de la historia de Scout y Jem, (esto es un logro tanto por la autora como por el director y el guionista que fueron fieles al esquema del libro). Atticus acepta el caso y se ve sometido a la presión de los vecinos por defender a un negro, lo que posteriormente lleva al juicio, el cual es la parte más interesante de la película, y del cual serán testigos sus hijos, los cuales llegarán a ver a su padre luchando por la justicia de un hombre, en una tierra donde ser negro equivalía a no ser igual ante la ley.

El tema principal de la película es el racismo, y la historia refleja fielmente el típico juicio en el sur racista de aquella época, y como ya no solo el acusado es amenazado de muerte, sino el propio abogado (Peck) también es increpado por parte del pueblo. Atticus deberá luchar en dos frentes, el defender la causa de su cliente y por otro lado el proteger a sus hijos del desprecio que levantará el mismo por defender a un negro.

Es llegado a este punto cuando nos enamoramos del personaje de Peck, el cual es un padre protector, cariñoso y bueno con sus hijos; un vecino amable y educado (la escena junto a la vecina gruñona la cual se ablanda con la presencia de Atticus); persona sin prejuicios (apoyando a la familia de Tom (el acusado), y ganándose el respeto de la comunidad negra de su pueblo (cuando termina el juicio).

-Levante señorita Scout. Su padre aún no ha salido de la sala.

No sé que más deciros de esta extraordinaria e incomparable película. Os la recomiendo al más alto nivel.

El resto de la información os la dejo en este corto aunque acertado video de Tele Madrid donde podréis ver varias escenas de la película y escuchar la emotiva banda sonora de Elmer Berstein, otro de los grandes del cine clásico en temas de banda sonoras.

Aunque de momento es solo una la película que tiene una nota inferior a 10, he analizado cada fragmento de Matar a un Ruiseñor y he de deciros que la nota de esta película no puede bajar del 10, es imposible.

Missing: Desaparecido

2011-06-12T07:21:00.000-07:00

No puedo soportar a los jóvenes norteamericanos que viven a costa de sus padres y de todo el país, y que no encuentran nada mejor que quejarse y gimotear.

En los años 60-70, Costa-Gravas era uno de los directores de temática política más importantes de toda Europa, además de un cineasta muy respetado en Estados Unidos. Suyos son clásicos como Z (1969), La Confesión (1970) o Estado de Sitio (1973); por lo que no era de extrañar que tarde o temprano acabase en EEUU rodando alguna película de temática parecida a las de su filmografía.

El director franco-griego se fijó en el caso real de Charles Horman, un joven norteamericano desaparecido durante el golpe de estado en Chile de Augusto Pinochet, y la lucha de su mujer y su padre para buscarlo en mitad del golpe y con todas las trabas diplomáticas que se puedan imaginar.

Para los dos papeles principales recurrió a un actor consagrada, Jack Lemmon, y a una de las jóvenes actrices del momento, Sissy Spacek. El duelo entre ambos es tremendo, aunque sin duda el personaje principal y de mayor peso en mi opinión es el de Lemmon, Ed Horman, el cual ha pasado a la historia como una de esas voces que suenan en mitad del silencio.

No solo es la historia de una joven y liberal esposa, y un padre conservador (dos formas de ver la vida que chocan de inmediato) en busca de su esposo e hijo. Sino que tiene de transfondo la historia que encontraremos en muchos países sudamericanos, y es el obseso control de EEUU por dirigir el futuro de Sudamérica. El colaborar en los distintos golpes de estado cuando el dirigente que obstentaba, o aspiraba al poder, no era de su agrado; y en este caso, Salvador Allende. Charles Horman es un joven americano progresista que vive en Chile con su esposa porque les gusta el estilo de vida del país y que haciendo trabajillos de poca monta viven sin mayor problema. Ed no soporta ese estilo de vida, esa busqueda de emociones alejados de la seguridad de su país.

La seguridad de Ed, su total fe en el gobierno de su nación e infatigable esfuerzo por encontrar a su hijo en mitad de ese embrollo hará que realmente nos sintamos protegidos por él, y sintamos aún más a su causa, a pesar de como se irá desarrollando la historia.

Algunas de sus escenas deberían pasar a la historia por la simple razón de que no hay forma de despegarlas de la retina o de la memoría. Como la del estadio cuando hablan con el megáfono; la del depósito de cadáveres; o en la que Lemmon pide que le devuelvan a su "único" hijo.

Merece la pena destacar también la curiosa banda sonora del también griego Vangelis, que no firma aquí su mejor trabajo pero si que acompaña a la imagen perfectamente cada vez que hace aparición.

La película causó una fuerte polémica en EEUU por la acusación a la CIA de colaborar en el golpe de estado y en la desaparición de Charles Horman. A pesar de ello, obtuvo la Palma de Oro en el festival de Cannes, y el premio a mejor actor para Jack Lemmon (en el que creo que es su mejor trabajo); y el Oscar a Mejor Guión Adaptado.

Mi nota: 10!

P.D.: Como siempre, es una película que recomiendo encarecidamente, pero advierto de su dureza.

X-Men, First Class: Las claves del éxito

2011-06-12T06:37:00.000-07:00

-¿Te cortarías el pelo?

-El pelo ni tocarlo.

El título del film lo dice todo. La Marvel se está disculpando por los dos últimos engendros de su mejor saga, X-Men, la cual falló sin duda por el abandono de Bryan Singer. Pero ¿cómo?

Claves de reconciliación con público y crítica.

En vez de meter las narices como siempre, tanto Marvel como Fox dan total control creativo a un director creativo e imaginativo, Matthew Vaughn. Responsable de la genial Kick-Ass, que tanto gustó a crítica como a público.

Parten de la base de una idea original de Bryan Singer que vuelve como productor, elaborando un guión que asiente bases de un buen número de personajes de los X-Men. Donde la clave si os fijais es centrarse mucho más en los propios personajes que en la situación de los misiles en Cuba o demás, que queda en un segundo plano.

Seguimos con los personajes. Necesitamos una patrulla X que atraiga al público y convenza a la crítica, jóvenes actores talentosos y bien parecidos. En eso si han hecho los deberes, ya que nos encontramos a dos ex-hermanos de sangre, James McAvoy y Michael Fassbender, que dan vida a unos jóvenes Charles Xavier y Erik Lehnsherr, que realizan un grandísimo trabajo. Uno centrado en gustar a toda costa, y el otro en matar a Kevin Bacon si o si. Los dos funcionan y se complementan de maravilla. Sería interesante ver algún tpo de combate final entre ambos, pero teniendo en cuenta las tres primeras películas, lo dudo.

Los jóvenes mutantes, liderados por la cada día más sexy Jennifer Lawrence, y Nicholas Hoult, dan vida a unos personajes muy bien definidos y que también gustan. No sobran, ocupan lo que tienen que ocupar. El resto del reparto, Kevin Bacon, January Jones, Rose Byrne..., cumplen. Quizás las dos últimas sean lo más flojo de la película.

La trama.

Antes de que los mutantes se mostraran al mundo, y antes de que cambiaran sus nombres por los de Profesor X y Magneto, Charles Xavier y Erik Lehnsherr eran dos jóvenes que descubrían sus poderes. No había animadversión alguna entre ellos, sino que al principio les unía una sincera amistad y decidieron trabajar juntos y crear un grupo de mutantes para evitar el Armagedón nuclear. Fue entonces cuando una enorme brecha se abrió entre ellos y supuso el comienzo de la eterna guerra entre la hermandad de los mutantes y los X-Men.

O en otras palabras, cuenta los orígenes de los personajes. Eso es algo que se lleva haciendo desde hace tiempo pero que no fraguó hasta Batman Begins, ya que no solo es el origen del héroe, sino la plasmación de sus ideales y sus objetivos. Todo rodeado por un mundo cercano al nuestro y del que nos sentimos formar parte. Se acercan a nosotros. Esa es la clave.

En resumidas cuentas, X-Men gusta por tener un buen director, un buen guión, un buen ritmo, unos personajes bien definidos salvo excepciones, y una buena acción.

Esperamos que la segunda parte no tarde mucho en llegar.

Mi nota: 8

Los 10 Magníficos: David Lynch

2011-06-04T08:40:00.000-07:00

Killing Fields: Los Gritos del Silencio

2011-06-03T16:23:00.001-07:00

-Si las cosas se complican, nuestra mejor opción es ir a la embajada francesa.

-¿Quién te dijo eso?

-La embajada británica.

Me quedo con el título original, y seguro que mi compañero Dante también, al que agradezco que me "facilitara" el poder visionar esta auténtica obra maestra de los años 80, para mi solo superada por The Elephant Man (David Lynch, 1980), Toro Salvaje (Martin Scorsese, 1980) y Platoon (Oliver Stone, 1986), y es que los que me conocen, como mi socio en cuestión saben que esta película me tenía que llegar al alma si o si. Y es que aunque soy amante de casi todos los géneros, y trato todas las temáticas posibles, el de aventuras en un mundo desconocido visto desde los ojos de un occidental con el cual me puedo identificar me llega al alma. Ese género se creó para mi disfrute personal. De ahí que venere la figura de Peter Weir, aunque curiosamente la misma noche vi una peli suya parecida (The Year we live dangerously) y disfruté mucho más con la de Roland Joffé.

Sydney es un periodista del "The New York Times" enviado a Camboya en 1972 como corresponsal de guerra. Una vez allí, conoce a Dith Pran, un nativo que le sirve de guía e intérprete durante la guerra. En 1975, al caer el gobierno camboyano, los EEUU se retiran del país, y toda la familia de Pran emigra a Norteamérica excepto él, que decide quedarse con el periodista para seguir ayudándole. Ambos viven refugiados en la embajada francesa, pero cuando deciden abandonar Camboya, el ejército revolucionario prohíbe salir a del país a Pran, que es recluido en un campo de concentración, en el que pasará múltiples vicisitudes. FILMAFFINITY.

Entre 1975 y 1979 Camboya vivió la peor época de su historia. Cuando estudias un poco de historia del siglo XX entiendes porque lo llaman el siglo de los genocidios. Al retirarse EEUU de la guerra del Vietnam, la neutral Camboya se vio invadida por los jemeres rojos, revolucionarios comunista que llevaron a cabo una matanza (como en la mayoría de países de esta orientación política) de la población civil, o como ellos decían, "el enemigo oculto", que eran todos aquellos que ellos sospecharan que podían entorpecer el asentamiento de un sistema comunista en el país.

Uno de esos cuya vida pendió de un hilo más de una vez fue el camboyano Dith Pran (interpretación que le valió un Oscar a Haing S. Nor), por cuya vida intentó luchar durante años incansablemente su compañero americano Sydney.

La película es un brutal relato de horror y supervivencia. Sin miramientos, sin transfondo, sin chorradas que sirvan para las parejitas vayan a pasar un rato intenso en el cine, no. La película es cruel, es dura, es violenta, es real, pero por encima de todo es un canto a la amistad y el amor entre dos hombres. Ninguno de los dos es nada sin el otro. El final es de clinex.

Creo que estamos la gran obra maestra del cine de género de "corresponsales de guerras", género y profesión que me apasionan, y que Roland Joffé recrea en todo su esplendor.

Si tenéis un poco de conciencia y queréis saber lo que ocurrió en Camboya a mediados de los 70, Los Gritos del Silencio es vuestra cinta.

La cinta, opera prima de un director salido de la televisión, fue todo un éxito de crítica y público. Obtuvo 7 nominaciones entre las que destacan Mejor Película, Director y Guión; consiguiendo las de Actor de Reparto, Fotografía y Montaje, en el año en que Amadeus arrasó.

Mi nota: 10!!

When the Wind Blows: El Inocente Holocausto

2011-05-31T14:03:00.000-07:00

-El lechero se está retrasando esta mañana.

-Hmm, es lógico. Llegará tarde por culpa de la bomba.

El día de ayer tenía en mi lista cuatro películas de animación de los 80 (década sobre la cual estoy preparando mi nuevo TOP 100) y pude ver las tres primeras, El Hombre que Plantaba Árboles (Frédéric Back, 1987); La Tumba de las Luciérnagas (Isao Takahata, 1988), y Cuando el Viento Sopla (Jimmy T. Murakami, 1986). Las dos primeras venían precedidas de gran fama internaciones, una es el único cortometraje que ha participado en la sección oficial de Cannes; la otra está considerada como una de las mejores películas de anime japones de la historia; y sobre la tercera salvo un par de críticas casuales poco más sabía. ¿Adivináis cual me gustó más?

Y es que la cinta de Murakami lo clava. Mezcla de un modo espeluznante el realismo de algunas imágenes y el tema que tratan los personajes, con una inocencia y dulzura inusitada a través de los dibujos que emplea.

Pongámonos en situación: Jim y Hilda Bloggs son una pareja de jubilados que viven en una remota zona rural de Gran Bretaña poco antes del inicio de una guerra nuclear. Profundamente patriotas, tienen absoluta confianza en su gobierno y se han informado sobre todo lo que es necesario hacer en caso de que el enemigo ataque su país. Jim ha leído los folletines oficiales sobre la bomba atómica, e inicia la construcción de un refugio que les protegerá en caso de una explosión nuclear. FILMAFINNITY

Y es que resulta genial que la primera parte de la película nos proyectan una cinta de animación infantil para niños en toda regla, lo que en cierto modo refleja el estado de inocencia de esta pareja de jubilados; en contraposición de los escenarios como la casa y el jardín, en los que el director usa imágenes reales fotografiadas demostrando que esta pareja "infantil" vive en un mundo real.

Y ahora estalla una bomba de verdad. Sí, como leéis. Después de una primera parte en la que no sabes a cuento de que viene la paranoia de Jim y lo obsesionado que está con construir un refugio nuclear en su casa (ojo, un par de puertas apoyadas en la pared formando un ángulo de 60 grados), en contraposición con Hilda que únicamente piensa en las labores del hogar, y comienzas a pensar si realmente toda la película será igual va y cae realmente una bomba atómica destrozándolo casi todo. La casa resiste aunque queda en un estado lamentable. La pareja sobrevive, y tras un par de días tras las puertas apoyadas en la pared comienza a pasear por la casa, algo mareados, pero con la intención de seguir con su vida. Pero... no viene el lechero, ni el de los periódicos. No hay luz, ni teléfono, ni agua, nada... Su ferviente fe en el gobierno y en las instrucciones dada en caso de una catástrofe como esta es ciega.

Los diálogos son, sin duda alguna lo mejor. Hablan de lo cotidiano de cosas en las que podemos coincidir más o menos; recuerdan los viejos tiempos en la segunda guerra mundial; piensan en la posible invasión de rusos; y de un modo magnífico habla de vez en cuando de las bombas de Hiroshima y Nagasaki y comparan situaciones lo que en cierto modo nos sirve para hacernos una idea de los efectos de un bomba atómica, narradas de un modo dulce y espeluznante vuelvo a decir.

La cinta es sencillamente genial, os la recomiendo a todos.

Mi nota: 10

The French Connection: ¿Te hurgaste los zapatos en Poughkeepsie?

2011-05-25T14:06:00.000-07:00

Muy bien, ¡Popeye está aquí!, ¡poned las manos sobre la cabeza,

separaos de la barra, y pegaros a la pared!

Con esto basta para presentar al genial personaje de Jimmy "Popeye" Doyle, interpretado con maestría por Gene Hackman, un violento agente de policía obsesionado con su trabajo. Bueno, ¿y qué? Películas policíacas con personajes como este hay muchas, pero no como The French Connection, ya que estamos hablando de una película realmente épica que no creo haya sido superada, ni siquiera por Heat (Michael Mann, 1995).

Jimmy "Popeye" Doyle y Buddy "Cloudy" Rosso son dos polícias neoyorkinos que siguen la pista de una red de traficantes de drigas. El primero, que confía en su olfato, sospecha que una confitería de Brooklyn está implicada y convence a su jefe para intervenir la línea telefónica. Poco después, Doyle y sus hombres siguen al dueño, Bocca, que les conduce hasta Alan Charnier, un francés que acaba de llegar a Estados Unidos.

Y aquí comienza lo interesante, porque no hay una héroe sin un villano, y el francés al que da vida un genial Fernando Rey es soberbio, buena prueba de ello lo da la segunda mejor escena de la película cuando Popeye lo sigue hasta la estación de metro. Eso es pulso, eso es narrativa, eso es ritmo, tensión, y lo demás tontería. Pero, ¿y qué más? La estética, una estética que comenzaba a prevalecer a finales de los 60 y principios de los 70, y era ir al cine a ver películas que parecían sacadas de la tele, y es que todos provenían de ahí. Casi todo el equipo técnico y artístico era novato en el mundo del cine. El tono realista y sucio, con cámaras en mano rodando a pie de calle todo lleno de gente, mostrándolo todo y más.

Creo que esta película ha podido influencia a otros directores al rodar películas de temática parecida. Recordaba mientras veía... bueno, mejor dicho, mientras vivía la persecución de Popeye con el coche al vagón de metro a toda leche, la persecución bajo la lluvía de La noche es nuestra (James Gray, 2007) para mucho lo mejor de la película. Y por supuesto, imposible que no se te venga a la cabeza esa pedazo de serie conocida como The Wire. Si Scorsese influyó en Los Soprano, Friendkin lo hizo con The Wire.

La película arrasó aquel año consiguiendo 5 oscar, Mejor Película, Mejor Director (William Friendkin), Mejor Actor (Gene Hackman), Mejor Guión y Mejor Montaje. Hay muchos que consideran excesivo esto, más teniendo en cuenta que aquel año hubo películas como La Naranja Mecánica o El Violinista sobre el tejado. Mi libre opinión, me quedo con The French Connection. El tiempo quizás no le haya hecho mucha justicia, pero no por ello ha envejecido mal. Creo que al igual que la majestuosa, Serpico (Sidney Lumet, 1973) aún hay sitios para cintas como esta en nuestros corazones.

P.D.: No os dejo el poster porque es de las cosas más feas que he visto en mi vida.

Mi nota: 9!

Escenas Inolvidables: Henry V

2011-05-17T10:59:00.000-07:00

HENRY V (1989) - KENNETH BRANAGH

Insuperable y soberbio discurso de animo a los soldados por parte del rey Harry. Sólo Shakespeare se podía colar de semejante manera y Branagh reflejarlo de tal modo.

Unicamente dejo el fragmento del discurso, aunque me habría encantado que vierais el desarrollo de la batalla y la posterior marcha por el campo de batalla. Sencillamente geniales.

All Quiet on the Wester Front: Senderos de suciedad y muerte

2011-05-09T14:39:00.002-07:00

"Este relato no es una confesión ni tampoco una acusación, y mucho menos

una aventura, ya que la muerte no es ninguna aventura para quien se enfrentan

a ella cara a cara. Sencillamente trata de hablar de una generación de hombres a

quienes a pesar de haber escapado de las bombas, la guerra destruyó."

Creo que estamos ante la tercera pieza que forman el triunvirato de grandes películas bélicas de la historia. El nombre del género es bélico, pero muchos lo llaman anti-bélico, y suele ser así. La gran mayoría de las películas bélicas (salvo las propagandísticas) suelen serlo, ya que muestran los horrores de la misma.

All Quiet on the Western Front, Paths of Glory y The Thin Red Line. Yo a esta tres cintas prefiero llamarlas pro-humanas, y es porque muestran sin pudor ni adorno, con toda su credeza y también belleza, lo bueno y lo malo del ser humano en un conflicto bélico. La cinta de Malick muestra la unión entre la vida, la naturaleza, la tierra, lo bello y la destrucción. La de Kubrick denuncia el poder del alto mando y la indiferencia de este sobre el inferior. Sin novedad en el Frente es una de las pioneras en mostrar, no solo los horrores de la guerra con un realismo impropio para época, sino en plasmar la decepción y el engaño que sacudió a los hombres que lucharon sin recordar muy bien por qué, para qué o para quién.

La acción comienza en un pueblecito de mi amada Alemania donde los soldados desfilan por las calles mientras que un vigoroso profesor hace una candente proclama sobre el patriotismo aleman, y el deber de los hombres de defender su país y dar la vida. Sin duda alguna es una escena muy importante para la película, sino tanto por la forma, como por el contenido.

Los jóvenes corren a alistarse con ensoñaciones y fantasías. Por fin visten los mismos trajes que los hombres a los que admiran. De un momento a otro se han convertido en hombres... y no es el principio de la madurez, sino el final de la infancia.

Nada más llegar al frente se dan cuenta de lo que es en realidad. Hambre, cansancio, suciedad, miedo, desengaño, locura... roban comida, tiemblan de miedo ante las balas enemigas, pierden los nervios por los incesantes bombardeos, contemplan como miles de enemigos corren hasta ellos entre el fuego de las ametralladoras y las bombas.

Paul, el protagonista va perdiendo poco a poco a todos sus amigos y su carácter se vuelve mucho más duro e indiferente. Para ello contamos con una magnífica escena que nos devuelve casi al principio de la película, donde un destrozado Paul retorna a su pueblo y va a visitar a su maestra que sigue comiendo la cabeza a sus alumnos sobre lo bello de la guerra y el morir por tu país; el maestro pide a Paul que corrobore sus palabras con su vivencias personales. El joven no puede más que decir la verdad, explicar lo asqueroso del asunto, y admitir que no hay gloria, solo ratas y muertos. Al poco ve que eso ya no es para él, no puede seguir con personas que viven ajenas a lo que realmente ocurre en el frente.

Estamos ante una de las grandes joyas del cine. Su director Lewis Milestone consiguió un producto digno de estudio. Para empezar, el realismo. Usaron como asesores en el diseño de producción a veteranos alemanes de la primera guerra mundial. Las fidedignas recreaciones de las trincheras obligó a las autoridades sanitarias a mandar un equipo de inspección. El montaje y los movimientos de cámara sigue a los soldados en las mejores escenas de lucha por el embarrado campo. El hecho de que los protagonistas no fueran estrellas ayuda por un lado a la identificación con los personajes y al no poner una cara en concreto a los jóvenes que lucharon en dicha guerra.

La película ganó el Oscar a Mejor Película y Mejor Director.

Setenta años después, la cinta sigue estando a la altura de las más modernas producciones bélicas, y en la mayoría de los casos, por encima.

Mi nota: 10!!

Serpico, la poli de la poli

2011-05-01T08:08:00.000-07:00

-Voy a hacer que te trasladen.

-¿A dónde?, ¿a China?

Me gustaría comenzar la crítica con una anécdota que leí en blogdecine en una de esta misma cinta. El productor de la cinta, Martin Bergman, se reunió con el auténtico agente Frank Serpico en un cine de barrio. Bergman encendió un cigarro, a lo que Serpico le llamó la atención señalándole un cartel que ponía "Prohibido Fumar". Bergman alegó que no había nadie en la sala, por lo que a nadie molestaba. Serpico respondió, "pero va en contra de la ley".

Yo creo que es una de las mejores formas de presentar al personaje de Frank Serpico, un agente de policia del Bronk, NY, que entre finales de de los 60 y principios de los 70 trató de acabar con la corrupción del cuerpo de policía, por lo que acabó declarando en un juicio en 1971.

Peter Maas escribió una biografía sobre Serpico que acabaría siendo llevada al cine por el recientemente fallecido Sidney Lumet.

Para el papel protagonista consiguieron a una de las estrellas emergentes del momento, Al Pacino, el cual acababa de protagonizar El Padrino.

La película comienza con un coche de policía a toda velocidad y con un Serpico herido de muerte en la cara por un disparo de bala. Al poco de llegar al hospital retrocedemos en el tiempo para ver los comienzos de Serpico en el cuerpo de policia desde el día de su graduación hasta el fatal accidente.

Analiza concienzudamente la personalidad de este, un agente puro, rodeado de corrupción, pero con la que él no quiere tener nada que ver. Es siempre ha deseado ser policía, trabajar en la calle, pero el ser un agente limpio en un ciudad sucia le impide hacer su trabajo. Eso le lleva a plantearse el acabar con la corrupción, ya sea tratando con sus superiores, muchos más corruptos que sus subalternos, o sencillamente a aguantar.

Sus compañeros no confían en él y lo amenazan; sus relaciones amorosas fracasan; están prácticamente solo, solo puede contar con otros pocos agentes que como él, detestan la putrefacción del sistema. Lo que se iba a reír si viniera a España.

Lumet, director de 12 Angry Men entre otras cintas era conocido por tener un estilo muy teatral a la hora de dirigir sus películas, por lo que Serpico sorprendió gratamente a público como a crítica, ya que tiene un gran número de escenas rodadas a píe de calle con un realismo sorprendente. Eso hace ganar muchos puntos a la cinta, y es algo que repitió dos años después con Tarde de Perros, nuevamente con Al Pacino.

Hay quien critica de la película que es lenta, que tiene poca acción, o que es sencillamente un ejercicio de auto-lucimiento de Pacino.

1- Es un bio-topic con tintes de documental. Con un realismo sorprendente, sí. Y todo lo que cuenta o aparece en la cinta es esencial para la trama. No es lenta, para nada. La acción transcurre a lo largo de varios años, pero el paso del tiempo está bien tratado.

2- Tiene poca acción, sí. Pero desde cuando un buen thriller se sustenta en la acción. Si está bien construida nunca molesta, pero esta película no la necesita. Tiene toda la tensión necesaria en las escenas en las que los compañeros de Serpico le rodean, que en un tiroteo cualquiera.

3- Repito, es un bio-topic, películas que tratan sobre algún personaje, lo más normal es que se realiza la película porque el personaje es lo suficientemente como para que hagan una película de él, ¿no?

Una de esas películas legendarias que tenía reservada, y con la que realmente disfruté. No disfrutaba tanto con una cinta de Al Pacino desde Carlito´s Way.

Mi nota: 10!

Christian Bale, un loco del cine

2011-04-30T07:24:00.000-07:00

Conocidos son los casos de actores como Robert de Niro, Edward Norton, Vincent D´Onofrio, Emilie Hirsch u otros... que para interpretar sus papeles tuvieron que engordar o adelgazar. Son muchos los actores que hacen eso para realmente introducirse en sus personajes, sentirse como ellos mismos. Es un auténtico sacrificio, y de eso nos podría hablar un experto como Christian Bale. Enigmático actor, gran persona, e incuestionable artista, de los mejores de su generación.

No hay director que no quiera trabajar con él. Ha estado envuelto en polémicas, si, pero lo único que ha demostrado es que es un ser humano como nosotros. Llego a un punto de su carrera que más de un medio le tenía una increible manía, y ha sabido salir del paso con elegancia. Que tío!

Christian nació en Gales en 1974. Su padre era piloto y su madre artista de circo. Tiene tres hermanas mayores. Desde muy joven mostró interés por el mundo de la interpretación, trabajando en un obra de teatro con un joven y desconocido Rowan Atkinson. Apareció en un anuncio de cereales Pac-Man.

EL IMPERIO DE HOLLYWOOD

Con 13 años superó un casting de más de 4000 niños para dar vida a James, un mimado niño inglés que se pierde durante la huida de la población occidental de la ciudad de Shangai durante la invasión japonesa en 1939 en una de las mejores película de Steven Spielberg, El Imperio del Sol. Los críticos alabaron el trabajo de Bale.

Lo que caracteriza a Bale de otros niños estrellas de la misma época es que al igual que DiCaprio supo elegir papeles adecuados y nunca perdió el rumbo. Realmente fue un profesional desde joven (jejeje). No tuvo problemas familiares, ni de drogas, ni exceso de fama.

FORMÁNDOSE

Dos años más tarde aparecerá en la ópera prima de Kenneth Branagh, Enrique V, magnífica película. Al año siguiente aparece en una adaptación de La isla del tesoro dando vida a Jim Hawkins con la que da comienzo a la década de los 90, que parece Bale será más de formación que de otro cosa, ya que la auténtica fama no llegaría hasta 15 años después.

Entre otro papeles destacables cabe mencionar Swing Kids, en la que comparte pantalla con Robert Sean Leonard (quien al año se haría con un papel que debería haber sido para Bale en Mucho Ruido y Pocas Nueces); Mujercitas, en la que conoció a la que sería su mujer, la ayudante de Winona Ryder, y donde enamora a la novia de Spiderman!.

En 1995 pondrá la voz al joven Tom Radcliffe en la película de Disney, Pocahontas, junto a Mel Gibson.

También participará en Velvet Goldmine (1998) y Sueño de una noche de Verano (1999).

BATEMAN - BATMAN

Al entrar en el nuevo milenio, Bale conseguirá uno de los papeles de su vida, el del megalomano pijo homicida Patrick Bateman en American Physco. En 2002 trajo dos películas bastantes interesante que pasaron algo desapercibidas, Equilibrium (un futuro en el que los sentimientos están prohibidos), y El Imperio del Fuego (en la que los Dragones vuelven y dominan la tierra. En la primera da vida a uno de los mejores agentes anti-sentimientos que comienza a hacerse preguntas, la trama es muy similar a la de Fahrenheir 451, y guarda muchas similitudes con Un Mundo Feliz, 1984. Eso si, las escenas de acción, o más bien de lucha, son muy similares a las de Matrix. En el caso de El Imperio del Fuego, Bale es el cabecilla de un refugio en Escocia que trata de sobrevivir a los ataques de los dragones. Tras su interpretación de psicópata homicida, en estas dos películas pudo mostrar algo de versatilidad dando vida a héroes.

Dos años después vendría El Maquinista, en una de sus mejores interpretaciones, y para la que perdió 28 kilos. Bale es un trabajador que hace más de un año que sufre de Insomnio. La crítica mundial lo alabó aunque la Academia lo dio de lado.

CHRISTIAN BALE BEGINS

En 2005, el aclamado director Chistopher Nolan lo elige para dar vida a Bruce Wayne en el reinicio de la saga de Batman, olvidada por las bazofias de Joel Schumaker. En esta cinta se cuenta los orígenes de Bruce Wayne y trata de un modo más profundo la oscura filosofía interna del personaje y su intención de combatir contra el crimen en Gotham, dando un punto de vista mucho más realista y con una calidad cinematrográfica hasta entonces no vista para una película de superheroes. También es cierto que la Warner tiró la casa por la ventana contratando a algunos de los mejores actores vivos como Michael Caine, Morgan Freeman, Tom Wilkinson, Gary Oldman o Liam Neeson. La película tuvo una gran recaudación en taquilla, y una mejor acogida por parte de la crítica.

Ese mismo año Bale aparecería junto a Colin Farrell en la nueva película del prestigioso director Terrence Malick, A New World, en un papel al que ya había dado su voz en la versión animada de la historia de Pocahontas.

Un año más tarde repetía con Nolan en la genial The Prestige, en la que se enfunda los guantes de un mago en el Londres de finales del siglo XIX que combate a muerte contra otro mago interpretado por el popular Hugh Jackman. La película es una auténtica genialidad, en la que yo creo una de las obras más personales de Nolan.

Antes de enfundarse de nuevo el traja de Batman, Bale tuvo la oportunidad de trabajar en otras películas como, Rescue Dawn (para mi uno de sus mejores trabajos) de Werner Herzog, o 3:10 to Yuma, en la que Russell Crowe se come la pantalla en perjuicio de Bale.

También aparece en I´m not there, una película en la que todos sus protagonistas son Bob Dylan, una soberana gilipollez de película, pero el reparto es de lujo. Entre otros Heath Ledger.

En 2008 Ledger y él repiten en The Dark Knight, la mejor película de 2008 y que supuso un antes y un después para muchos. Considerada como una obra maestra por muchos, y por otros pocos como algo que ni ellos mismo saben definir, la película fue la más taquillera del año y una de las más de la historia. En esta nueva entrega, Batman ha de enfrentarse a un nuevo enemigo, El Joker, más terrorista, oscuro y psicópata, que payaso; para ello contará con la ayuda del nuevo fiscal del distrito, Harvey Dent.

Muchos achacaron que el auténtico protagonista de esta cinta era el malogrado Ledger, y que eso perjudicó en mayor medida a Bale como auténtico protagonista.

En la cinta hay un claro protagonista de principio a fin, y ese es Batman. El Joker es un personaje secundario muy bien escrito, y mejor aún interpretado que ocupa toda la pantalla cuando aparece, sí, pero es que todos los personajes aportan a la historia por lo que depende de la opinión de cada uno.

Bale no consigue quitarse el traje de héroe, ya que al año siguiente se enfrentará Johnny Depp en Public Enemies, a los míticos terminators en Terminator Salvation. Durante el rodaje de esta última se filtro un audio en el que Bale puteaba de lo lindo a uno de los ayudantes del director de fotografía, lo que revoluciono Internet con vídeos de mofa y burla hacia la figura de Bale.

Aunque el actor pidió disculpas, esto, junto al escándalo en el estreno de The Dark Knight en el que se le acusó de pegar a su madre y hermana, empezó a hacer sombra en la figura de Christian.

Pero en 2010 presentó junto a Mark Wahlberg, The Fighter, en la que da vida al esquelético y drogadicto hermano de un luchador de boxeo. Lo ganó todo con esta interpretación al igual que Ledger con The Dark Knight. Hollywood abrió los brazos a Bale merecidamente.

Vive en Santa Mónica, California, desde 1992. Está casado y tiene una hija pequeña. Es vegetariano y activista por la defensa de los animales.

Christian Bale es un actor enigmático. ¿Un borde integral o una maravillosa persona? Delante o detrás de las cámaras. Ante todo es un profesional. Steven Spielberg, Kenneth Branagh, Terrence Malick, Wernez Herzog, Christopher Nolan, Yimou Zhang, Michael Mann, de los mejores directores del panorama actual han trabajado con él y todas han alabado se dedicación y personalidad.

Actualmente se prepara para rodar la tercera entrega de Batman, The Dark Knight Rises, junto a Christopher Nolan, lo que le llevará a La India, EEUU e Inglaterra. También acaba de terminar junto a Yiomu Zhang "13 Flowers of Nanjing".

Thor de Kenneth Branagh

2011-04-30T04:03:00.000-07:00

Decídanse, porque este tío cada vez me cae mejor.

No entiendo lo que pasa. Debe ser que los americanos y los anglosajones tiran más "pa" lo suyo que nosotros, incluido los críticos, porque mientras que leo cientos de críticas, las únicas negativas son españolas. Y bueno, salvo un par que son realmente negativas, el resto lo dejan en algo no muy pasable, y lo comprendo.

Thor es una película que no gustará a todo el mundo. No es The Dark Knight, no es una obra maestra, no está hecha para marcar un antes y un después en la historia, es sencillamente una película sobre uno de los héroes más complicados de adaptar de la factoría Marvel que buscaba entrener al máximo número de personas sin caer en el ridículo.

El responsable no es más ni menos que ese genio llamado Kenneth Branagh, que en su película número 14, y alejado de su estilo, toma las riendas de una super-producción llena de efectos especiales y pelucas. Es gracias a su dirección (que buena la cámara torcida y los planos aéreos que dan la vuelta) , al diseño de producción, a parte del reparto, a los efectos especiales, y a que es condenadamente entretenida por los que la película obtiene mi 8. Pero también es a causa del guión por lo que la película no llega al 10.

Breve introducción al argumento: En el reino de Asgard (Vikingoland), el hijo del rey Odin, Thor, encabeza una expedición a Jotunheim (el reino de los hombres congelados) haciendo casi omiso a su padre y desencadenando una posible guerra entre los dos reinos. Odin decide desterrarlo hasta la tierra donde un equipo de científicos encabezados por un poco creible (aunque nunca más bella) Natalie Portman, un perdido Stellan Skarsgard, y una divertida (y algo morbosa) Kat Dennings encuentran al Dios del trueno en mitad del desierto tras una tormenta. A unos pocos kilómetros de allí también aparece el martillo de Thor, clavado en la tierra cual Excalibur.

El comienzo de la película en Asgard en magnífica. La recreación tanto de este reino como el de los hombres congelados es soberbio. Los efectos especiales corrieron a cargo del equipo de Avatar, y se nota la factura. La introducción de los personajes es correcta, curiosamente la que cojea un poquito es la de Thor, pero poco a poco va pasando hasta realmente convertirse en el mejor personaje de la película como debía ser. La parte en la tierra es que lo desequilibra un poco más la película. Tiene partes muy buenas, como cuando Thor irrumpe en la base militar machacando a todo el mundo en busca buscando su martillo, el guiño de Ojo de Halcón, los atropellos, las ocurrencias de Darcy, y la descripción de los tres compañeros de Thor... pero hay dos problemas, uno es el personaje de Stellan Skarsgard (insustancial), y el personaje de Jane Foster, interpretada por la ganadora del Oscar Natalie Portman, que si bien tiene buenos momentos, también los tiene flojos y poco creíbles. Todo esto se muestra en la atropellada escena final en la tierra cuando llegan lo del SHIELD. Hay química entre Portman y Hemsworth, de eso no cabe la menor duda, pero el personaje de Portman valía mucho más y no han sabido explotarlo bien. Me consuela pensar que quizás Nolan también hubiese pinchado con este personaje femenino.

Cabe destacar a Loki, interpretado por el compañero de Branagh en la serie Wallander Tom Hiddleston, bien interpretado y desarrollado pero muy flojo en algunos tramos de la cinta.

Por último, la magnífica banda sonora de Patrick Doyle, que acompaña perfectamente cada escena de la cinta, ya sea tensa, romántica, divertida o de acción.

En definitiva, este año 2011 esta siendo de los peores que yo recuerdo en mucho tiempo, cinematograficamente hablando, además de por otras muchas cosas. No tenía expectativas de obra maestra con Thor, pero si que ha cumplido y superado mis expectativas como entretenida película de acción. Habrá quien no este de acuerdo conmigo, por lo menos aquí, porque en Estados Unidos me dan la razón.

Mi Nota: 8

P.D.: Y si, al final de los créditos hay un nuevo adelanto de Los Vengadores.

Black Hawk Down: No se abandona a nadie

2011-04-28T14:22:00.000-07:00

¿Sabes los que creo? Que no importa lo que yo crea. Cuando oigamos silbar la primera bala, los políticos y toda esa mierda se irán directamente a la basura.

Damas y caballeros, bienvenido al horror de la guerra moderna.

Recuerdo hace un par de años leyendo un libros sobre la experiencia de los militares españoles que fueron enviados a Irak que no eran pocos los que asemejaban la acción del país invadido con la de la cinta de Ridley Scott cuando habían tenido que abrir fuego o habían sido atacados.

Eso prueba entre otras cosas el realismo de la cinta y el efecto que puede llegar a provocar una película como esta en hombres y mujeres queriendo alistarse después de ver escenas como estas, a pesar de que normalmente todas las películas tienen mensajes anti-bélicos o de homenajes a los hombres y mujeres que integran el ejército.

La situación de Somalia entre finales de los 80 y principios de los 90 eran de caos total. El lider del país en aquel momento Mohamen Farrah Aidid mataba de hambre a su pueblo (más de 300,000 muertos de inanición). La ONU entró en el país con los cascos azules para poner un poco de control aunque como casi siempre, debían tener más cuidado con los tratados internacionales que con las balas que rozaban sus cascos. Por lo que finalmente, en septiembre de 1993, EEUU mandó una fuerza compuesta por la élite de su ejército, la Delta Force, Rangers, y pilotos del 160. La idea era atrapar a Aidid para así acabar con el principal grupo tribal que dominaba Mogadishou (la capital de Somalia), y durante diferentes misiones fueron atrapando a ministros o miembros del gobierno.

Pero fue el 3 de Octubre, cuando durante una misión en el centro mismo del mercado de Bakara (el lugar más peligroso en aquel momento para un americano en el mundo entero), un helicoptero Black Hawk fue derribado por un lanzagranadas. Los soldados tienen que socorrer a los pilotos y mantener el control en una zona dominada por un enemigo superior y rabioso.

Poco después derriban otro helicóptero en otra zona de la ciudad...

He de agradecer a Ridley Scott esta película, ya que gracias a ella me hice cinéfilo. Con 11 años me gustaba el cine como a cualquier otro niño de mi edad. Se me quedaban grabados bastantes nombres y datos, y me gustaba mucho el cine, pero Black Hawk Down llegó a conmocionarme. Me hizo ver muchas cosas con otros ojos, y no solo el cine. Fue tal mi obsesión con esta película (tenía la BSO, el libro, el videojuego, el DVD...), que en mi afán por saber más y más, acabé encontrándome con muchas películas, y esperando con ansia nuevos estrenos. Todo se lo debo a esta cinta y el efecto que tuvo en mi. Cuando todos quieren ser medicos, abogados, futbolistas (Xavier Vidal seguro que no), veterinarios, profesores... yo quería ser piloto de un UH-60 Black Hawk.

Savint Private Ryan había sorprendido al mundo entero tres años antes, y Black Hawk Down no se quedó mucho más atrás. Con un atractivo reparto (Josh Harnett, Eric Bana, Ewan McGregor, Tom Sizemore, William Fichtner, Orlando Bloom, Ewen Bremner, Sam Shepard...), un magnífico equipo técnico, y con un Scott en estado de gracia. Para los amantes del género bélico, Black Hawk Down se encuentra seguramente en casi todos los Top10!

La recreación de Mogadishou en Marruecos es magnífica. Ojo, no exacta, pero si muy buena. Entramos realmente en un país devastado por el terror y el hambre.

Las escenas de acción son de gran realismo, con más de efecto hecho a posta para impresionar al espectador. El ritmo no cae en casi ningún momento. Quizás esas escenas de reflexión sobre la guerra y el compañerismo tan tópicas no quedan tan bien reflejadas como en la película de Spielberg, pero tampoco hacen mucho daño. El sonido y el montaje se llevaron sus respectivos y merecidísimos Oscars.

La película realzar entre otras cosas la camaradería de Rangers, Deltas y los Pilotos, enfrentándose a las turbas somalies con el único propósito de proteger al compañero que hay a su lado y con la única garantía de que él va a hacer lo mismo. La escena que mejor recoge el momento en mi opinión es en la que los dos sargentos Deltas, Gary Gordon y Randy Shughart piden descender hasta el segundo helicóptero para proteger al único superviviente, el piloto Mike Durant, hasta que lleguen fuerzas terrestres, cosa poco probable.

Como detalle curioso, la película estuvo rodeada de polémica, entre otras cosas porque la mayoría de los marines eran blancos y los somalies son todos negros... casualmente todos los somalies blancos, rubios y con ojos azules estaban de vacaciones; y en el caso de los americanos, había unicamente tres marines negros en toda la base. Pero gilipolleces como estás son habituales.

Definitivamente, la mejor película de guerra moderna, y una de las mejores del género bélica. Ridley Scott estuvo justamente nominado como Mejor Director aunque no pudo hacerse con al estatuilla.

P.D.: No puedo dedicar esta crítica a ninguna otra persona más que a mi primo Curro. Somos dos enfermos, y esta película es nuestra droga! Va por ti, Ewersmann!

Mi nota: 8,3

Rebecca, de Alfred Hitchcock!

2011-04-08T10:38:00.000-07:00

Anoche soñé que volvía a Manderlay.

Estamos ante la primera incursión en el cine norteamericano de Alfred Hitchcock, y son películas como estas en su haber las que dan fe de porque su nombre está con lo de los más grandes cineastas de la historia.

De la amplia y extensa filmografía de Hitchcock, el primer puesto se lo otorgo a esta obra maestra de la narrativa y tensión. Sencillamente magnífica.

Al poco tiempo de perder a su esposa Rebeca, el aristócrata inglés Maxim De Winter (Laurence Olivier) conoce en Montercarlo a una joven humilde (Joan Fontaine), dama de compañía de una señora americana. De Winter y la joven se casan y se van a vivir a la mansión inglesa de Manderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la señora Winter se da cuenta de que no puede borrar en su marido el recuerdo de su difunta esposa.

Para empezar, el desarrollo de los personajes es soberbio (no son pocos, son los necesarios). La joven e ingenua americana que acaba con un apuesto aristócrata británico; este mismo; la siniestra dama de llaves; el mayordomo; el mejor amigo del aristócrata; el rufián de turno; el comisario que está a punto de jubilarse; y el persona principal y mayúsculo, del cual no veremos ni una mísera fotografía, REBECA.

Es el personaje omnipresente, no aparece en ni una sola escena, pero no deja de estar presente. La película trata sobre una relación y su entorno, y nos encontramos ante un triángulo amoroso de dos, ya que el tercer miembro es Rebeca, la difunta esposa de Max. Todo aquel que la conoció no habla más que maravillas de ella. Era poco menos que una diosa mortal bajada de los cielos, cuya exquisita vida truncó el azar y una tormenta haciendo que se ahogara en el mar.

La joven americana ha de combatir el recuerdo de Rebeca y la sombra que le hace la misma difunta. No sólo con la familia o amigos de su marido, sino con los propios criados, los cuales adoraban a Rebeca y ahora se encuentran a una joven de su misma clase social en su puesto.

La tensión llega a ser brutal, con un desarrollo de la historia trepidante que hoy no quiero desvelar ya que espero que veáis la cinta y comprendáis mi euforia al hablar de esa joya.

Un detalle curioso es que el personaje de Fontaine aparece en la totalidad de la historia pero nunca sabemos su nombre. Justo lo contrario que el de Rebeca. Como si en cierto modo, su sino fuera convertirse en la nueva Rebeca.

La cinta logró 11 nominaciones haciéndose con dos, Mejor Fotografía en blanco y negro y Mejor Película, superando a película como Las Uvas de la Ira, Historias de Filadelfia o El Gran Dictador. Joan Fontaine, de la cual me enamoré perdidamente en esta historia, logró una nominación aunque no pudo hacerse con ella.

Y aquí os dejo con la anécdota de la semana. Laurence Olivier mantenía por entonces una relación con Vivian Leigh, a la que quería para el papel de Joan Fontaine. Al no conseguirlo, Olivier trató friamente durante todo el rodaje a esta. Hitchcock llegó a decirle a Fontaine que todo el equipo la detestaba, haciéndola más tímida e insegura, justo lo que él quería que reflejara el personaje.

Mi nota: 10!!!

P.D.: El poster... era el que más me gustaba.

Alexander: Magna infravalorización

2011-04-08T08:03:00.000-07:00

He conocido a muchos grandes hombres en mi vida,

pero solo a un coloso.

Alejandro Magno, una de las figuras más conocidas e importantes de la antigüedad. Abarcar toda su vida (apenas 30 años) es una tarea que se veía imposible. Y hasta la fecha de hoy no se ha logrado, pero si aproximado. El responsable: Oliver Stone.

Los bio-topics son uno de los géneros más explotados hoy en día, y la verdad es que poco más se puede innovar sobre ellos salvo algún que otro audaz montaje. Esta película lo logra, ya que comienza con la muerte de Alejandro (Colin Farrell), salta 40 años después hasta Alejandría donde Ptolomeo (Anthony Hopkins) comienza a "escribir", no sólo sobre el Alejandro histórico y épico, sino también sobre el Alejandro más íntimo y desconocido.

La historia salta a la juventud de Alejandro y a partir de ahí continua linealmente casi todo el film. Y ojo al dato, la película salta directamente a la batalla de Gaucamela perdiendo momentos memorables de su vida, pero yo lo perdono.

Desde ese momento continua muy fielmente el resto de sus campañas en Oriente hasta su retorno y posterior muerte.

Podría seguir analizando escena a escena toda la película, lo que convertiría a este artículo en una pesadez. Sencillamente os voy a hablar de cinéfilo a cinéfilo.

¿Por qué me gusta tanto esta película?

- Para empezar soy un gran amante (no conocedor aunque estoy en ello) de la historia, y esta película en cuanto a fidelidad a la misma cumple con creces.

- Tiene escenas imposibles de olvidar como el joven Alejandro domando a Bucéfalo, la batalla de Gaucamela (y todas las sub-escenas que podríamos sacar de ella), la entrada en Babilonia, la arenga a sus soldados, la batalla contra Los Elefantes... madre mía.

- La dirección, por parte de un Oliver Stone en estado de gracia que contó con un magnífico equipo técnico, y sobretodo asesor.

-El reparto: Colin Farrel - Angelina Jolie - Val Kilmer - Anthony Hopkins - Jared Leto - Rosario Dawson - Christopher Plummer - Jonathan Rhys-Meyers. Mención especial a los tres primeros.

-La banda sonora, por Dios, ¿la habéis oido detenidamente? Es magnífica. Y a aquel que me diga que Vangelis hace un trabajo similar a anterior suyos que se vaya directmente a la mierda, por favor. James Newton Howard, Danny Elfman, James Horner (ellos si que si).

Porqué no gustó a mucha gente.

-Sencillamente hay gente que las películas largas les aburren.

-Cuando haces un block-buster bien hecho, contundente, más histórico que de acción (a pesar de tenerla), pues la gente se aburre.

-El que pintaran a Alejandro de maricón. (Señores, ¿hace falta a estas alturas que hablemos de la bisexualidad de los griegos?). Los espartanos, esos si que le daban al tema.

-Oliver Stone.

Porqué deberías verla:

-Porque difícilmente se hará una mejor cinta sobre la figura del gran Alejandro.

-Porque realmente es una gran película.

-Porque es la mejor cinta de Stone desde hace casi 20 años.

-Porque Colin Farrell demostró el gran actor que es con esta cinta.

Detalles curiosos:

-A Colin Farrell le afectó de tal manera el fracaso de la cinta en EEUU que durante un tiempo pedía perdón a todo el mundo por la cinta, incluso cuando iba a comprar tabaco.

-En EEUU la Warner sacó una versión reducida en DVD omitiendo las escenas más homo-eróticas.

-También salió una versión con todo el material filmado que dura casi 4 horas. Permite una mayor comprensión de la historia, al igual que pasa con la versión extendida de Kingdom of Heaven.

Mi nota: 8,5

Escenas Inolvidables: Saving Private Ryan

2011-04-06T14:28:00.000-07:00

SAVING PRIVATE RYAN (1998) - STEVEN SPIELBERG

¿La mejor escena de acción de la historia?, ¿el mejor arranque de la historia del cine?, ¿la más impactante?, ¿la más inolvidable?

En muchos aspectos, sí. Pero juzgad vosotros mismos si aún no habéis visto una de las obras maestras de Spielberg.

Carlito´s Way: Atrapado por su pasado

2011-04-06T13:50:00.000-07:00

Un favor puede matarte más deprisa que una bala.

Ayer noche, con un sueño increíble. Machacado, derrotado, destrozado, jod***, me disponía a ponerme una peliculita en el portátil para hacer tiempo hasta dormirme del todo. Me puse una de mis 200 películas (aproximadamente) pendientes que tengo en filmaffinity. En este caso, Carlito´s Way, o como titularon en España, Atrapado por su pasado. La cinta dura más de dos horas. No me dormí hasta acabarla. MAGNÍFICA!!

Carlitos Brigante (Al Pacino), un antiguo traficante de heroína de origen portorriqueño, sale de la cárcel después de cinco años de reclusión, dispuesto a dejar el tráfico de drogas y no volver nunca más a prisión. Con la ayuda de un abogado cocainómaco (Sean Penn) consigue hacerse socio de un club nocturno e intenta reanudar la relación con su ex-novia, pero el mundo que le rodea sigue siendo un mundo de delincuentes, e ir por el buen camino no será tarea fácil.

Por una vez la "re-interpretación" del título de la película en España dio en el clavo. Porque trata de eso, de un pobre tipo que no tiene otra intención que escapar de su vida anterior para empezar otra nueva y no cometer los mismos errores que en pasado. Pero la vida es así, te persigue.

Hay una frase en la película que lo define perfectamente:

Malditos críos, mueven un par de papelinas y se creen los amos del negocio. ¿Se enriquecen mientras estoy en la cárcel y ahora he de respetarlos? Que les jodan.

Y es eso, Carlitos sale de la cárcel con dos ideas en la cabeza, no meterse en líos y conseguir 70,000$ para irse a las Bahamas con un amigo que ha montado un negocio de alquiler de coches. Así que acepta regentar el local que le ofrece su abogado durante un tiempo limitado para así reunir la pasta.

Carlitos tiene un código ético y moral muy estricto. Como por ejemplo no chivarse de su anterior jefe por lo que no hubo posibilidad de reducir la condena. Y se lo agradecen cuando sale de chirona. Lo mismo hará cuando vea en los líos que se está metiendo Kleinfeld (Penn), y este le pida ayuda. Se lo debe.

Por otro lado, quiere rehacer su vida con la chica a la que ama, Gail, e incluso ella percibe el cambio de personalidad de Carlitos y le cree. Aunque también le desconcierta su aptitud con Kleinfeld y su lealtad.

Brian de Palma filma, sino la mejor, una de las mejores cintas de su carrera. Mantiene firme el pulso durante casi todo el metraje (quizás hacia la mitad resulte un poco más lenta para el espectador poco entrenado), pero da igual, porque ahí esta continuamente Al Pacino interpretando uno de sus mejores papeles y que homenajea a un Tony Montana madurito (y vivo claro).

De Palma también se auto homenajea, en la última pero alucinante, trepidante, absorbente, y todo lo que vosotros queraís escena en la estación. Guiño a The Untouchables.

No le doy el 10 por esa mitad de la película algo lenta y sin apenas acción, aunque con ritmo aceptable.

La banda sonora corrió a cargo del genial Patrick Doyle, que ni firma su mejor trabajo, ni supero al Morricone de The Untouchables, pero que aún así funciona a la perfección cuando hace falta. En especial en la susodicha escena de la estación.

Películas como estas hacen que me guste mucho más Pacino que De Niro, aunque sea enemigo de las comparaciones absurdas.

Mi Nota: 9, y puesto de honor en mi próxima actualización de las 100 mejores de los 90s!

La Passion de Jeanne D´Arc: Sinfonía de Primeros Planos

2011-04-03T10:11:00.000-07:00

Lo primero que vemos son unos títulos sobre la música de la obra. Téngase en cuenta que se rodó en 1928 por lo que sencillamente nos dicen que la película inspiró al compositor Richard Einhorn para componer esta magnífica banda sonora que encaja, no solo a la perfección, sino que aumenta la intensidad y la emoción de la cinta a niveles seguramente impensables para su director.

Tras esto, y los primeros carteles presentando la cinta, aparecen otros acompañados de la primera melodía de la banda sonora:

Rodada en Francia en 1927 por Carl Th. Dreyer, La Passion de Jeanne D´Arc fue víctima de varias ordalías. Censurada antes de su estreno en 1928, el negativo original fue quemado en el fuego. Un segundo negativo reeditado por Breyer con otras tomas también se perdió en el fuego.

Durante más de medio siglo, esta gran clásico del cine fue unicamente conocido en copias mutiladas, o una versión sonorizada la cual tiene poco que ver con la original.

Pero en 1981, una copia danesa original, completa y en muy buenas condiciones, fue milagrosamente descubierta en un armario de una institución mental noruega. Gracias a la ayuda de Ib Monty, Director del Museo Danes de Cine, y de Maurice Drouzy, quien reestableció el texto en francés, la Cinemateca Francesa ha sido capaz de reconstruir esta versión francesa, seguramente muy fiel a la original.

***

En la Cámara de los Diputados de París se conserva uno de los más extraordinarios documentos de la historia mundial: el diario de las sesiones del juicio a Juana de Arco, juicio que terminó con su muerte. Las preguntas de los jueces y las respuestas de Juana fueron trascritas al pie de la letra.

Leyéndolas descubrimos a la auténtica Juana... no a la Juana de armas sino a la sencilla y humana, una joven muchacha que murió por su país, y somos testigos de un drama sorprendente: una joven, piadosa muchacha enfrentada a un grupo de teólogos ortodoxos y poderosos jueces.

Que junto a la música aparezca una introducción sobre la película tan interesante hizo que se me pusiera la piel de gallina. Estaba tumbado en mi cama seguro de que me preparaba para ver una obra maestra, y de hecho fue así.

No podemos decir que sea una cinta biográfica al completo de la vida de Juana de Arco (1412-1431), como si podría ser la versión de Luc Besson; sino más bien centrada en el juicio celebrado contra Juana y su posterior ejecución.

A modo de introducción, Juana de Arco fue una joven francesa que dirigió a los ejércitos franceses en 1429 durante el Asedio de Orleans y otras batallas, logrando la victoria y la coronación del rey frances Carlos VII. Posteriormente fue apresada y entregada a los ingleses, los cuales la condenaron a la quema por herejía. Actualmente es la patrona de Francia y una de las principales figuras de su historia.

La película es, en casi su totalidad, un galería de primeros planos tanto de Juana (una bellísima y magnífica Maria Falconetti) como de sus jueces lo que plasma de modo más directo sensaciones como la ira, la angustia, el terror o la malicia.

Juana es interrogada sobre su vida y su relación con Dios, y creo que fue un gran acierto por parte de su director, Dreyer, basarse en las actas originales, ya que resulta emocionante revivir las auténticas respuestas de una figura como la de Juana de Arco y ver sus respuestas. Algunas con miedo, otras con duda, en ocasiones vemos entereza y pasión, temor e ingenuidad en otros, pero ante todo vemos a la auténtica Juana.

Es tal la belleza en la que se recrea, el ritmo de la cinta, esa ingente cantidad de primeros planos de Maria Falconetti, la música de Einhorn, la fotografía en blanco y negro, y el efecto que causa sobre el espectador la cinta que puedo decir que quizás sea de las mejores películas de la historia y pocos puedan recriminármelo.

P.D.: UN 10!!!

P.D.2.: Más fácil imposible, desde este enlace podréis ver la película.

Crimes and Misdemeanors: El Allen más inmoral

2011-03-30T08:58:00.000-07:00

Le quiero como a un hermano, como Cain a Abel.

Me quedan unos pocos títulos, pero de las supuestas obras maestras del genial Woody Allen, me las he visto casi todas, y creo que puedo afirmar que no es precisamente una de esas "joyas" la que considero su auténtica obra maestra, sino que encima es la que mejor explica las dos últimas y mejores cintas del director neoyorkino, Match Point y Cassandra´s Dream. Y esta no es ni más ni menos que Crimes and Misdemeanors (Delitos y Faltas).

Judah (Martin Landau) y Clifford (Woody Allen) son dos hombres enfrentados a sendos dilemas morales de diferente gravedad. Cuando Judah, un reputado oftalmólogo, pretende poner fin a su relación extraconyugal, su amante (Angelica Huston) lo amenaza con arruinar su vida contándoselo todo a su esposa; según su hermano Jack la única solución es asesinarla. Por su parte, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado (Alan Alda), al que desprecia. Durante el rodaje conoce a Halley (Mia Farrow), de la cual se enamora.

Son dos historias completamente distintas pero que se van sucediendo y que finalmente se encontrarán para meditar sobre lo sucedido.

La historia de Judah es quizás la más, como diría mi madre, inmoral, y que años después repetiría Allen, aunque de forma más extendida y trabajada en Match Point. El prestigioso oftalmólogo tiene una vida cómoda, una esposa e hijas que lo quieren, pero no puede evitar tener una aventura con una mujer más joven que él que ha sufrido mucho y que realmente necesita amor. Esta está perdidamente enamorada de él y lo quiere para si. Es entonces cuando ella decide confesárselo todo a la esposa y él comienza a temer perder su estilo de vida. Ante la promesa de que encontrará una solución, Judah se va hundiendo moralmente cada vez más y más, hasta que su hermano (en deuda con él) le sugiere que la liquiden. Judah no da crédito a lo que oye, pero solo en apariencia. Es un tipo lógico, sabe que no hay otra solución, por lo que acepta. Podriamos decir que esta es la primera parte de la historia de Judah, y que vemos más desarrollada como decía en Match Point. Sin embargo, una vez desaparecida ella, Judah empieza a tener fuertes sentimientos de culpa, por lo que aquí pasamos directamente a Cassandra´s Dream, cuando Terry, el personaje interpretado por Colin Farrell comienza a temer por su integridad moral y llega a plantearse el entragarse a la policia. Judah sufre por lo mismo.

Por otra parte, tenemos a Clifford, genial y mordaz Woody Allen, el cual no está pasando por su mejor momento profesional. Actualmente intenta montar un documental sobre un interesante rabino que manda a todos un bello mensaje sobre la vida. Pero le ofrecen rodar un documental sobre su exitoso cuñado, al cual no soporta pero se ve obligado/necesitado de aceptarlo. Durante el rodaje conoce a Halley, un bella e insegura Mia Farrow, de la cual se enamora al ver en ella a su alma gemela. El matrimonio de Clifford no pasa por su mejor momento, el es sumamente infeliz y Halley en cierto modo lo devuelve a la vida tanto a él como a su documental. Es entonces cuando él, con las mejores intenciones del mundo se declara a ella, y espera que puedan acabar juntos. Pero no es el único que va detrás de ella, su cuñado también lo intenta, por lo que aquí entra en escena la justicia moral de la cinta: Clifford que es una buena persona y que realmente está enamorado de ella; o el cuñado, un tipo que describen a la perfección en una frase de la película (siempre que te veo estás con una bella mujer distinta).

Y el magnífico final de la cinta lo dice todo, y es seguramente el más bello y pesimista que jamás haya rodado Allen, junto al de Match Point, y se puede resumir en una frase: Crimen sin castigo, y castigo sin crimen. No llegas a nada en la vida siendo bueno y justo, por el contrario haciendo uso de las trampas y el engaño puedes llegar al objetivo querido.

Magnífico Allen, soberbio, tajante, cruel, duro, y muy Allen.

Aquí podréis reproducir una de las mejores escenas de la película!

Mi nota: UN 10!

P.D.: Mi (de momento) Top 5 de Allen

01 - Crimes and Misdemeanors

02 - Manhattan

03 - Annie Hall

04 - Match Point

05 - Cassandra´s Dream

Temas de Bandas Sonoras: "Deborah´s Theme"

2011-03-24T06:42:00.000-07:00

DEBORAH´S THEME (1984) - ENNIO MORRICONE

Consideraba como la mejor banda sonora de la historia de una de las películas más infravaloradas de la misma. En esta cinta que cuenta la historia de como un grupo de amigos crecen en el Nueva Yoir de principios de siglo y van formando una peligrosa banda, lo cual les pasará factura, Morricone hizo uso de una preciosa música melancólica; o ciertos momentos hasta tribal para reflejar las distintas culturas asentadas en dicha ciudad.

Curiosamente el tema que os traigo hoy no fue escrito originalmente para esta película, sino para otra de Morricone que acabaría desechando.

Hace referencia a Deborah, la muchacha de la que se enamora Noodles, el protagonista de la cinta, y suele aparecer en los momentos, como ya he dicho, más melancólicos de la película para dar nostalgia a los propios recuerdos del protagonista. Que cuando nosotros lo veamos sintamos que es una escena de añoranza. Como curiosidad, la pequeña Deborah es interpretada por una jovencísima Jennifer Connely.

P.D.: Al parecer, Morricone no fue nominado al Oscar por esta partitura ya que los productores la pifiaron al no poner su nombre en los créditos. Tiene narices.

Un condenado a muerte se ha escapado: Meditando una fuga

2011-03-22T12:22:00.000-07:00

Si mi madre pudiera verme...

Las obras maestras lo son, además de porque lo reconocemos con parcialidad, porque nos gustan; y siempre he creido que hay dos tipos. Las que se sustentan en una buena historia, original, compleja y bien hecha; o las que tienen la historia más simple pero mejor narrada y dirigida. La película de hoy pertenece al primer tipo. Ya veréis porqué.

Fontaine es un joven perteneciente a la resistencia francesa durante la ocupación alemana del país. Ha sido capturado y es llevado a la prisión de Fort Montluc, Lyon. Desde el primer momento intenta escapar aunque no lo consigue. Ya en prisión, su única motivación es fugarse, por lo que comienza a planearlo. Seremos testigos de cada paso que da Fontaine (François Laterrier) hasta llegar al momento decisivo.

Es así de simple. Capturan a un tipo y este decide fugarse. Películas como estas hay a patadas, pero sería impensable ponerla en el montón, no. Esta película es especial. Y ojo, no habla en ningún momento de fraternidad, esperanza o amor como The Shawshank Redemption, otra obra maestra del género, no. La clave de esta cinta, además de su sencillez, es el modo en que fue rodado.

En cierto modo me recordó a 12 Angry Men ya que esta primera fue rodada casi exclusivamente en la habitación donde el jurado meditan, e incluso a la más reciente Buried, donde tanto protagonista como público se pasan la cinta entera en un ataúd. Digo todo esto porque en Un Condamné à mort s´est échappe ocurre casi lo mismo. Únicamente tenemos a Fontaine en su celda maquinando el modo de fugarse en V.O. Paseando de un lugar a otro; tratando de truca la puerta; rompiendo las baldas; paso a paso del que somos testigos a su vez que padecemos la angustia de ser descubierto antes de tiempo y de que el plan salga bien. En unas cuantas escenas vemos como baja junto a otros presos a un diminuto patio a asearse donde no pueden hablar.

Merece mil y un elogios la habilidad con la que se usó la fotografía para dar una mayor sensación de aprisionamiento. Primeros planos tanto de los personajes como de partes de sus cuerpos, manos, ojos; como de objetos.Como cuando se mueve, muestra lo que debe y deja a la imaginación del espectador lo demás.

Llegados a un punto avanzado de la historia, cuando queda poco para su fuga, le es asignado un compañero de celda, un joven frances del que Fontaine sospecha y con el cual llegará al punto de pensarse el liquidarlo o no.

Y no solo eso, porque hay otro gran protagonista en la película, y es el silencio. El silencio en el que el tío maquina todo su plan, en el que lo pone en marcha, el silencio que invade por la noche la prisión y la atención a cualquier ruido que suponga un indicio de la llegada inminente de guardias.

Así es casi toda la cinta. La única música que escuchamos en ocasiones, Mozart: 7 fragmentos del movimiento del "Kyrie Eleison" de la Gran Misa, K. 427.

Por esta cinta, el particular director francés Robert Bresson se llevó el premio a Mejor Director en Cannes.

"El viento sopla donde quiere, y aunque oyes su

ruido, no sabes de dónde viene y a dónde va".

Mi nota: 9

Los Siete Samuráis: El Maestro Kurosawa.

2011-03-08T16:04:00.000-08:00

Incluso los osos salen de los bosques

cuando tienen hambre.

Otro 10 en apenas una semana. Sí, he tenido la suerte de ver varias obras maestras últimamente y pienso escribir sobre ella siempre que pueda.

Akira Kurosawa era un conocido director en Japón, e internacionalmente se había hecho un nombre gracias a su película Rashomon, que ganó el Leon de Oro de Venecia. Pero sería en 1954 al estrenar su gran obra maestra, Los Siete Samuráis, cuando se daría a conocer por todo el mundo.

En el Japón feudal, un pequeño pueblo de aldeanos es continuamente atacado por forajidos que les quitan la comida. La situación es desesperante y no saben que hacer, hasta que uno de los miembros del pueblo decide ir a la ciudad y contratar samuráis para que los protejan de los bandidos.

No tienen dinero, por lo que les pagarán con comida. La misión no reportará fama ni fortuna. El orgullo de los samuráis es algo que jugará en contra de los aldeanos, pero que en cierto modo es paradójico, ya que finalmente conseguirán siete auténticos samuráis, justos y puros de corazón. Capaces de aparcar el típico papel de samurái para emplearse a lo que se deben en realidad. Samurái significa "servir", o "aquellos que sirven" .

Cada uno tiene una personalidad distinta pero que no choca entre ellas, y que hará de los samuráis, un curioso y complementario grupo de amigos.

Tras la llegada de los samuráis al pueblo, veremos el respeto y miedo de los aldeanos hacia los guerreros. Kurosawa decide mostrar también el lado más humano de estos al interactuar con los aldeanos y sentir que al proteger la aldea, están protegiendo una parte de si mismos. Pero no por ello deja de mostrar el poder de los samuráis, quizás con el personaje más interesante de toda la cinta, Kikuchizo (Toshiro Mifune) que en su tiempo fue aldeano y sufrió por ello.

Sin ánimo de destripar el final, no puedo finalizar sin mencionar que quizás lo mejor de la cinta, en mi opinión, es la conclusión final a la que llega el maestro samurái cuando ve a los aldeanos festejar la victoria sobre los bandidos junto a las cuatro tumbas de los samuráis.

-Otra vez hemos sido derrotados. Los ganadores

son los campesinos y no nosotros.

Más de tres horas de acción, humor, drama, sin que el ritmo caiga ni un ápice. La película se pasa rápida, y eso es sólo una de las muestras de la gran maestría de Kurosawa. Cabe destacar, además de la excelente dirección del "emperador", el magnífico diseño de producción, las interpretaciones, y las numerosas reflexiones a las que invita la cinta al espectador. La anteriormente mencionada es solo una de ellas. El propio personaje de Mifune es una de ellas a lo largo de toda la película.

La película fue un gran éxito que impresionó tanto a crítica como a público, e influiría a lo largo de los años a gran número de cineastas.

Tuvo su primer remake en 1960, protagonizado por Yul Brynner, donde la acción principal se traslada al oeste donde siete vaqueros protegen a un pueblo de los ataques de los bandidos.

Mi Nota: 10!!

Escenas Inolvidables: The Third Man

2011-03-05T12:08:00.000-08:00

THE THIRD MAN (1949) - CAROL REED

Más que la escena en si, es la frase que Orson Welles improvisó durante la misma escena y que quedó filmada, y si es que esta película es tan jodidamente buena, es porque Welles le metió mano.

La frase es para meditar, y es que el hombre muestra lo mejor de si durante los peores momentos.

Además que me encanta la pose chulesca y mirada pícara de Welles, genial.

Das Kabinet der Dr. Caligari: Nacimiento del auténtico terror

2011-03-05T10:48:00.000-08:00

Abrochaos los cinturones, que os voy a hablar brevemente acerca de una obra maestra del cine de terror.

Dos amigos, Francis y Alan deciden ir al carnaval del pueblo de Holstenwall, en Alemania. Al mismo llega el Doctor Caligari con un aterrador número, el de Cesare, un sonámbulo al que el doctor despertara como si de un zombie se tratase y hará que responda cualquier pregunta. Alan es el primero en probar a Cesare preguntándole sobre la fecha de su muerte; Cesare contesta: mañana. Al día siguiente amanece muerto, por lo que Francis sospecha de Caligari y Cesare. Aquí empieza a cobrar emoción la historia de un modo desenfrenado, con un estilo casi impropio de aquella época (más de 90 años hace ya), y que os sorprenderá a todos con un final propio de los mejores thrilles modernos. Una verdadera OBRA MAESTRA.

Para los más cinéfilos, merece la pena comentar puntos como que esta es la primera obra del genero expresionista alemán en el que prima lo subjetivo sobre lo objetivo, y del que hablaremos muy pronto. Podríamos incluir grandes cintas como Nosferatu, El Último, Fausto o Metrópolis.

En un principio los productores querían que Fritz Lang se sentase en la silla del director, pero tuvo que rechazarlo para filmar Die Spinnen. Finalmente fue Robert Wiene quien se haría cargo del proyecto, filmando así la mejor obra de su carrera.

Aunque la cinta viene firmada por Carl Mayer y Hans Hanowitz, fue Wiene (a petición de los productores) el que incluyó la primera y última escena de la cinta lo que cambia por completo el final y toda la historia en si. No quiero soltar spoilers a diestro y siniestro, así que simplemente os recomiendo una vez más que veáis la película.

La idea principal de la historia era denunciar al estado alemán por la situación del país tras el fin de la guerra, comparando al Doctor Caligari con el propio estado alemán que induce al sonambulismo y a perpetrar crímenes contra si mismo.

Otro detalle que hace, sino única pionera, a esta cinta es el diseño de producción, en especial con los decorados. Estos tenían formar extrañas, con ángulos imposibles y bizarros que se asemejaban a los de una "mente retorcida". Esto ayuda a crear un ambiente de tensión e incomodidad durante toda la historia.

El maquillaje de los actores, lo exagerado de sus actuaciones, objetos deformados, los contrastes de luces y sobras, la propia deformación de la realidad... todo ello crea una magnífica atmósfera de terror que más tarde inspiraría a cineastas como Tim Burton, David Lynch o Terry Gilliam.

Además, he visto similitudes entre esta cinta y Shutter Island de Martin Scorses, aunque este no la mencionase entre las películas que le habían servido de inspiración.

El personaje de Cesare, el sonámbulo, llegó a convertirse, junto a Charlot, en uno de los primeros personajes míticos de la historia del cine.

Mi Nota: 10

Escenas Inolvidables: Modern Times

2011-02-24T06:17:00.000-08:00

MODERN TIMES (1936) - CHARLIE CHAPLIN

Esta película es una auténtica obra maestra de las que se enseñan en las escuelas. Crisis económica, paro, huelgas, el tema, más actual no puede ser. Y podría sacar infinidad de escenas como el comienzo en la fábrica, la marcha de los huelgistas, o cuando abren la fábrica y todos corren a por un puesto... pero me quedo con la más cinematográfica, y es en la que Chaplin, por primera vez, habla (o más bien canta) en un idioma inventado que entremezcla palabras de varios idiomas, como queriendo decir que su silencio de cine mudo, o que una imagen, vale más que mil palabras.

Saving Private Ryan: Definición de Guerra

2011-02-23T00:46:00.000-08:00

Hágase digno de esto. Merézcalo.

Estamos a 2011. Mucho se ha dicho, escrito, filmado sobre la segunda guerra mundial. Algo menos que en 1998, pero ya por aquel entonces pensaban lo mismo. Mejoraban los efectos especiales, pero el problema era la poca sensación de estar viendo una auténtica escena de batalla.

A lo largo de la historia del cine hay grandes batallas que impresionaron en su momento por su "realismo" o ingenio para hacernos creer que estábamos viendo una batalla de verdad. Pero que una escena de más de 20 minutos hicieran que el público casi saltase de sus butacas como aquel famoso estreno de enero de 1896, pasará a la historia. Saving Private Ryan pasará a la historia por ser una de las mejores películas, no solo de guerra, de todos los tiempos, y su responsable directo es Steven Spielberg. Porque no fue hasta la llegada de esta película cuando más de un antiguo veterano que combatió realmente en alguna de las batallas del terrible conflicto pudo llorar de emoción al ver en pantalla lo mismo que vio él. Spielberg lo consiguió. Ahora todos quieren imitarle con mayor o menos éxito.

Pero y la historia. Atractiva desde el primer minuto. Tras el desembarco de Normandía, al Capitán Miller (magnífico Tom Hanks) le ordenan coger a un grupo de hombres (Edward Burns, Tom Sizemore, Adam Goldberg, Barry Pepper, Vin Diesel, Giovanni Ribisi y Jeremy Davies) y acudir al frente en busca de un joven soldado paracaidista llamado James Francis Ryan (Matt Damon) y traerlo de vuelta a casa. La razón es que sus tres hermanos han muerto en combate y se ha ganado "el billete de vuelta a casa". Aquí comienza el primer y principal dilema moral, "merece la pena arriesgar la vida de muchos para salvar a uno", y si es así, más vale que lo merezca, es la conclusión a la que llega Miller, y con la que comienza el artículo.

Esta cinta no solo debería ser tenida en cuenta por la historia en si, o por como fue rodada y demás, sino las repercusiones que tuvieron, ¿en quién?, en toda una generación de cineastas, cinéfilos o simples espectadores. Esta película marcó un hito en el género bélico, un antes y un ahora. Curiosamente se estrenó el mismo año que La Delgada Línea Roja, película que no se le asemeja practicamente en nada, y que tiene una visión más clásica, pero no por ella común de narrar la guerra.

Ganadora de 5 Oscars, principalmente técnicos, Shakespeare in Love robó injustamente el premio de Mejor Película a la MEJOR cinta de aquel año. Tendríamos que retroceder hasta 1979 cuando Kramer vs Kramer le hizo lo mismo a Apocalypse Now. (Curiosamente me he encontrado esa misma referencia en una crítica de filmafinnity) Al menos Steven Spielberg se hizo con la preciada estatuilla por la escena inicial más impresionante de la historia del cine.

Mi Nota: 10

P.D.: Personalmente nunca me ha molestado ni el comienzo ni el final en el cementerio militar. ¿Patriótico? Sí, ¿y qué? Si uno ama a su país, su historia, y a los que lucharon por ella, ¿por qué no se puede tener un detalle con ellos? En serio, no comprendo la obsesión o la gilipollez de la gente. Que podría sencillamente haberse narrado durante 1944, pues si, no digo que no. Que cada cual avance la película lo que quiera para ver lo que quiera.

P.D.2: Fijáos en el fondo de la playa desde el punto de vista de las lanchas cuando los soldados se arrojan al agua. ¿Esa acojonante fotografía no os hace pensar en la mismisima puerta de entrada del infierno?

Blue Valentine: Nacimiento, Desarrollo y Muerte de una pareja

2011-02-23T00:22:00.000-08:00

Dime como quieres que sea. Tú solo dímelo y lo haré.

Historias de amor las hay a patadas. Historias de desamor, también. El amor, sea como sea, es un género más que trillado, donde cualquier ápice de originalidad bien contada es recibida con los brazos abiertos.

Blue Valentine no podría decirse que es excesivamente original, porque no lo es; pero lo que hace a esta película tan especial es la historia que cuenta. Una historia real y muy humana sobre el amor entre dos personas reales. No de ficción, de novelas o películas, de este mundo, del tuyo y mio.

Dean y Cindy son una pareja casada, y con una niña pequeña, que no está pasando por su mejor momento, por lo que deciden pasar la noche en un hotel temático, a la vez que retrocedemos en el tiempo y podemos comparar a los personajes como eran antes de conocerse, al conocerse, y en lo que se han convertido. Dean es el que se enamora profundamente con Cindy, y ella es la que finalmente se da cuenta que el es un gran hombre, pero esta ya tiene una vida anterior que la perseguirá y chocará con los planes de Dean, haciendo que el futuro viva la penosa situación en la que están.

Y es que lo mejor de la película son sus actores. Ryan Gosling y Michelle Williams (nominada al Oscar por este papel) dan vida a Dean y Cindy, y es que se desnudan sentimentalmente para la cámara. Un cúmulo de sentimientos y sensaciones realmente escalofriantes. Es como si hubieran puesto una cámara oculta a una pareja real, incluso en los detalles más intimos que no queremos que nadie conozca y en los que algunos podremos identificarnos. Todo ello es mérito de los protagonistas, que además ejercen de productores.

No sé si catalogarla como la mejor película romántica o anti-romántica del año, porque podría pertenecer a cualquiera de esas dos categorías, o incluso a las dos, ya que lo normal es ver la segunda situación brevemente introducida por la primera como en Revolutionary Road por poner un ejemplo. Pero es tal la belleza y humanidad del como se conocen, que llega a conectar inevitablemente con el espectador y hace que también sufra.

Magnífica.

Nota: 9

Ni Uno Menos - La Maestra de 13 años

2011-02-22T23:47:00.000-08:00

Zhang Huike, ¿dónde te has metido? Hace tres días que te busco.

Hace unas semanas, cuando Christian Bale pasó a ser el personaje de moda por su casi segura victoria en los oscars de este 2011, hubo una buena noticia entre los círculos cinéfilos. El actor galés había firmado para rodar con el director chino Zhang Yimou una película sobre el genócido de Nanking o Nanjing que ya trató el año pasado Ciudad de Vida y Muerte, y en la que daría vida a un sacerdote católico que protege en su iglesia a todas las personas que puede acoger. Un gran director y un gran actor con una gran historia, pero el director no me sonaba para nada, lo admito. Entre su filmografía conocía Hero y La Casa de las Dagas Voladoras, pero ya está. Hasta hace dos días cuando leí sobre Ni Uno Menos y a raiz de esta, he ido conociendo más las demás cintas de este más que interesante director oriental.

La película nos adentra en la China rural, una zona casi desconocida para los occidentales, en las que el retraso habita en practicamente todo. El profesor de la escuela ha de marcharse un mes a visitar a su madre la cual se está muriendo, para ello el alcalde contrata a Wei Minzhi, una muchacha de 13 años para que de clase durante la ausencia del primero a niños de casi esa misma edad. Con la llegada al pueblo de la niña presenta al público la misma escuela, los niños, el estilo de vida, todo marcado por la pobreza. Pero cuando el niño más revoltoso de la clase se marcha a la ciudad para trabajar, comienza el punto más interesante de la cinta, y es la muestra de perseverancia de la niña/maestra por ir hasta allí y traer de vuelta al niño.

Lo que viene a continuación son escenas realmente excelentes, como el trabajar trasladando ladrillos para conseguir dinero, la compra de dos Coca-Colas, los cálculos para averiguar el precio del billete del autobus... y la llegada de Wie a la ciudad, es sencillamente brutal.

Rodada con actores no profesionales, auténticos campesinos en realidad, y con cámara oculta en muchas ocasiones para poder recoger las auténticas emociones de los protagonistas, "Ni Uno Menos" es una suave auto-crítica al estado de la educación en algunas zonas de China y la necesidad de reformas inmediatas. Al parecer, eso no gustó al Gobierno Chino y quizás por eso no se proyectase en Cannes. Meses después arrasó en Venecia.

Por último, cabe reseñar la aptitud perseverante y en cierto modo cabezona de los personajes, especialmente la de Wei, que no sé si realmente hace lo que hace por Wei o porque le pagen los 50 Yuanes pasado el mes si no perdía a ningún niño.

Película perfecta si te interesa conocer rasgos más que interesantes sobre otras culturas y te gustan las historias conmovedoras.

Mi Nota: 9

P.D.: La BSO es magnífica.

The Fighter: Bale se pone a la altura de Ledger

2011-02-20T09:31:00.000-08:00

El género pugilístico es, junto al carcelario, el bélico, y el drama social, de mis favoritos, por lo que no suelo ser muy imparcial con películas como estas, pero ¿y qué? Este es mi blog y como diría mi compañero Dani Martín, hago lo que sale de los huevos.

The Fighter cuenta la historia de Dicky Eklund (Christian Bale), un antiguo boxeador que entrena a su hermano pequeño, Micky Ward (Mark Wahlberg) el cual no consigue despegar por culpa de los malos combates que le organizan Dicky y la madre de ambos, Alice (Melissa Leo), que es su manager. A su vez, Dicky se ve envuelto en problemas de drogas y un documental que la HBO está grabando sobre él y su adicción a las drogas. Micky encontrará una oportunidad, cuando Dicky acabe en la carcel, para luchar por el título, peor se pondrá en juego la "lealtad" familiar y el cariño que siente por su hermano.

La cinta no es una obra maestra, ni mucho menos, pero es bastante buena, y os diré por qué, porque no hay mejor película que mezcle distintos géneros como es el drama social, las drogas, la familia, la superación, el fracaso, el boxeo, con magníficas actuaciones, buen ritmo, y una dirección pasable.

The Fighter tiene todo eso y mucho más. Una interesante, en mi opinión, historia real; las soberbias actuaciones de Melissa Leo (Nominada), Amy Adams (Nominada), Mark Wahlberg (Nominado al Globo de Oro) y Christian Bale (salvo sorpresas de última hora, el ganador del Oscar a Mejor Actor de Reparto este año).

Y es que si me tengo que quedar con algo, es con el trabajo de Bale, porque se come la pantalla, y eso es lo que tiene que hacer un actor de reparto en una cinta. Recordemos los recientes casos de Javier Bardem en "No Country For Old Men", Heath Ledger en "The Dark Knight" o Christopher Waltz en "Inglorious Basterds"; se comían la pantalla, el público conectaba con ellos y querían ver más y más... Christian Bale realiza la actuación de su vida, y además como a él le gusta, jodiendo su estado físico a tope como ya ha hecho en ocasiones anteriores, para volver a ponerse cuadrado para la tercera parte de Batman "The Dark Knight Rises".

Lo último que me gustaría destacar es a Mark Wahlberg, uno de los pesos pesados de Hollywood que no deja de sorprenderme, y es porque da una de cal y otra de arena. Es uno de los responsables de la serie "Boardwalk Empire" o de la misma The Fighter, ya que era un proyecto muy personal. A ver si se estabiliza un poco...

127 Hours: Franco no supera a Buried

2011-02-20T08:36:00.000-08:00

No te rindas, Aron, no te rindas.

Basada en la historia real de Aron Ralston, que en Mayo 2003 quedó atrapado en un desfiladero de unas montañas de Utah por culpa de una roca que le aprisionaba el brazo, 127 Hours es una notable película que seguramente será recordada por la gráfica escena en la que su protagonista James Franco se tiene que cortar el brazo para salir de allí.

La premisa es sencilla. Tipo aventurero queda atrapado y no tiene forma de salir, así que para ello tiene que tomar una drástica decisión. Pero ahí más, mucho más, y no solo me voy a centrar en el buen ritmo de la película, la pasable dirección de Danny Boyle, o la magnífica actuación de James Franco, nominado al Oscar por su trabajo, no. Lo que más quiero resaltar es el bello mensaje de la cinta.

Ralston es, como decía anteriormente, un aventurero, un yonki de la adrenalina. Pero también es un solitario. Las relaciones que tiene, con sus amigos, su chica, sus padres, es cuanto menos complicada. El que se quede atrapado en ese desfiladero no supondría mayor problema si le hubiera dicho a alguien a donde iba... pero no lo hizo. Y por ahí van parte de los tiros de la cinta; ningún hombre es una isla. Es casi imposible no mirar a tu alrededor y ver alguien que no te quiera o que sienta simpatía hacia ti. Las relaciones, del tipo que sean, son más importantes de lo que parecen, y al estar Aron al borde de la muerte se da cuenta de lo que tiene y que puede que no vuelva a ver jamás, llegando a tener una visión de su propio hijo (esa fue mi escena favorita) el cual no tendría hasta pasados varios años.

Es imposible no llegar a las comparaciones:

-James Franco: Nominado al Oscar por este trabajo al igual que Colin Firth por papel de Jorge VI en The King´s Speech. Franco está mejor, si, peor va a ganar Firth. Aunque en mi opinión, Ryan Reynolds está muchísimo mejor.

-Danny Boyle: Realiza un buen trabajo pero quizás su cinta más impersonal. No ha superado trabajos como Trainspotting, 28 Days Later o Slumdog Millionaire.

-127 Hours: Muy buena cinta, peor me quedo con Buried.

Como es tradición, cierro el artículo con el trailer y mi nota, pero me vais a perdonar y en vez del trailer que ya hemos visto en infinidad de webs, os dejo la canción que suena al final de Sigur Ros, Festival. A ver que os parece...

Mi Nota: 8,3

P.D.: Esta crítica va dedicada al machote que se sentó a mi lado que era más alto y ancho y que sin embargo chilló como una nena cuando Franco se cortaba el brazo.

Próximos Estrenos: SUPER 8 "SPOT"

2011-02-07T06:19:00.000-08:00

Aunque aún queda casi medio año, las primeras imágenes del último proyecto de J.J. Abrams ya están circulando por la red gracias al estreno de este spot en la Superbowl.

Super 8, es una película de ciencia-ficción, rodada con mucho secretismo, y anunciada como una cinta homenaje al cine sci-fi propio de Spielberg. Desde luego la estética nos recuerda a algunas de las mejores películas del director de E.T.. Un niño protagonista, cosas inexplicables sucediendo, ¿el medio este americano?, el ejercito de por medio. Creo, y ya lo he dicho más de una vez que J.J. Abrams será el sustituto de Spielberg, ya que si sus películas no son obras maestras globalmente hablando, si lo son como producto de entretenimiento. Magníficas. "Alias" y "Lost" en televisión, y "Mission Imposible:III" o la nueva de "Star Trek" son solo su carta de presentación.

Los 10 Mejores Trailers del 2010

2011-02-05T11:23:00.000-08:00

Ya sea por mostrar las primeras imágenes de la película que esperamos con no poca paciencia, o por sorprendernos en el cine mientras deboramos las primeras palomitas, o por enamorarnos con su transición de imágenes y música, los trailers son quizás una de las partes más importantes de las campañas de marketing sino la principal,y dependiendo de como se nos presenten garantiza un tanto por ciento de la recaudación de la cinta.

Es poco frecuente que la calidad de la cinta y de la película vayan a pares, suelen estar descompensadas, pero de este top, la mayoría se acercan a su producto final.

Espero que encontréis de vuestro agrado la lista y mencioneis títulos que creéis deberían haber entrado en la lista.

01 - The Town

02 - Inception

03 - The Way Back

04 - The Fighter

05 - Source Code

06 - The Tree of Life

07 - True Grit

08 - Black Swan

09 - 127 Hours

10 - The King´s Speech

Directed By 5: Phoenix

2011-01-30T13:56:00.000-08:00

Más de medio año después, el mejor festival de cine online del globo volvió en su quinta edición, dirigido de manera original y espectacular por Dialoguista.

Está noche se anunciaron las nominadas. Este blog mandó la obra Phoenix que se ha alzado con 9 nominaciones:

MEJOR OBRA

DIRECTOR (Sean Bauer)

ACTOR PRINCIPAL (Robert Downey Jr.)

ACTRIZ SECUNDARIA (Cara Buono)

DISEÑO ARGUMENTAL

ARGUMENTO

BANDA SONORA

CANCIÓN (Illusion)

POSTER

Los ganadores serán anunciados el 11 de Febrero, un día después de acabar mis exámenes curiosamente, por lo que puede que esté tan ciego que sea incapaz de ver a los ganadores, así que estad atentos vosotros y ya me contáis.

Si estáis entre los votantes os animo a releer la obra y decidir si queréis depositar vuestro voto en la historia de Robert Downey Jr.

Para los que no sabéis nada de la obra, aquí os dejo un enlace para que podáis leerla.

LEER OBRA

Escenas Inolvidables: Inception

2011-01-13T05:23:00.000-08:00

INCEPTION (2010) - CHRISTOPHER NOLAN

Para mi la mejor escena de toda la película. El pasillo girando sobre si mismo con Arthur peleando contra la seguridad de la mente. Genial. Hans Zimmer da más emoción aún con el bonus track de la banda sonora Don´t Think About Elephants. Seguramente una de las escenas que más me ha emocionado ver en el cine.

¿Alguien da más?

The Way Back: Weir en estado puro.

2011-01-09T13:26:00.000-08:00

Mi mujer jamás se lo podrá perdonar. Tengo que volver.

Peter Weir, director de películas como Gallipoli, Único Testigo, La Costa de los Mosquitos, El Club de los Poetas Muertos, El Show de Truman, Master & Commander... si has visto estas películas, puedes llegar a comprender el patrón que mueve a este genial cineasta cuando cuenta una historia.

El hombre, la naturaleza, confrontación, adaptación, lucha, supervivencia. Eso podemos encontrar en casi toda su filmografía. Como una o varias personas llegan a un hábitat que nada tiene que ver con el suyo y su efecto en él/los. Y eso ocurre en Camino a la Libertad, un grupo de prisioneros que consiguen escapar de un gulag y deciden huir hacia el sur lejos de las garras de la unión soviética.

Vayamos por partes.

Lo primero, el proceso. Seis nominaciones al Oscar no valen una puta mierda si cuando tu última película que ha costado 150 millones de dólares apenas supera los 200 en recaudación. Da igual que la cinta sea considerada una de las mejores películas de aventuras de la década, el dinero es el dinero, y yo lo comprendo, pero así lo que consigues es que el director (doblemente nominado por esta cinta) tenga que buscar financiación independiente como en sus comienzos. Y llega a ser verdaderamente triste como Hollywood dejó de lado a Weir. No interesaba rodar una segunda parte de Master & Commander (hace poco Russell Crowe comenzó una campaña para que la Fox se implique en ello); y no querían un nuevo fiasco en taquilla. Estos siete años que ha tardado en traernos este nuevo proyecto no se los ha estado pasando en el sofá de su casa rascándose la barriga como hacen muchos que yo me se en el país del jamón serrano y la paella. Tras varios guiones que no le convencían, Weir se hizo con el libro de Slawomir Rawicz, The Long Walk. Enseguida comprendió que tenía entre sus manos lo que estaba buscando. Entre pre-producción, rodaje, post-producción y tiempo que ha tardado en distribuirse comercialmente han pasado tres años.

La historia.

Siete prisioneros consiguen escapar de un gulag ruso en Siberia durante la segunda guerra mundial y a pie atraviesan los parajes más peligrosos de Rusia, Mongolia, China, El Tibet y La India en busca de la libertad inexistente en Unión Sovietica.

Weir es un amante de la historia, tanto natural como humana. Me explico. Cuando ves las imágenes del muro de Berlín cayendo, la mayoría vemos eso, el muro. Gente como Weir se fija en las expresiones de las personas que atraviesan los restos del muro, se pregunta por sus vidas, sus vivencias, sus creencias, sus expectativas. Si consigues que una persona con la que te puedas identificar viva una serie de situaciones increíbles, en un entorno desconocido y hostil, ahí tendrás un perfecto relato de aventuras, y es lo que el relato de Rawicz ofrecía. No solo la caminata de más de 6000 kilómetros, también el hecho de que huyen de otro peligro. Sus carceleros, la población que los entregarían por la recompensa. Es importante que eso quede claro.

He leído mucho sobre que la cinta trata del hombre intentando sobrevivir en la naturaleza, sí. Pero creo que con eso te quedas a media porque, ¿por qué huyen y se comportan de ese modo? Supervivencia, pero no solo en un campo de batalla que es la naturaleza y puede acabar con ellos, sino a su alrededor el peligro humano también acecha. Es la humanidad lo que han de conservar en un entorno salvaje en el que son perseguidos como bestias.

Y bueno, para esta cinta, Weir no pudo contar con la Fox para atraer superestrellas como Russell Crowe, no. Pero no todas las estrellas pertenecen a las grandes productoras. Algunos van bastante por libe, y es el caso de Colin Farrell, primer implicado en el proyecto y que en principio iba a ser el protagonista, Janusz, aunque tanto él como Weir decidieron que el mejor personaje para el irlandés era el del salvaje Valka. Ed Harris, amigo de Weir, no dudó en repetir con el director de The Truman Show y pasó a convertirse en Mr. Smith, quizás el personaje más enigmático y conmovedor de todos (en mi opinión). Pero necesitaban un joven que diese vida a Janusz, guía y cabecilla del grupo, y para eso se decantarón por Jim Sturgess, un joven muy prometedor que no ha desperdiciado esta oportunidad pero que podría haber sido mucho mejor. Quizás no sea tanto culpa suya como el desarrollo de su personaje. El que menos me conmovió de todos, aunque no discuto en la labor de la actriz, es el personaje de Irena, interpretado por la cada vez más ascendente Saroirse Ronan. No me pidáis que os explique porque.

El resto de secundarios, geniales, mi favorito Zoran el gracioso, interpretado por Dragos Bucur. Y mención especial a Mark Strong por su pequeño papel en el gulag al comienzo de la cinta.

Y yendo a la técnico, es seguramente lo mejor de la cinta. La fotografía; la edición; los paisajes rodados por equipos del National Geographic; la banda sonora de Burkhard Dallwitz, a ratos espléndida, a ratos monótona (las cosas lo que son).

Y para terminar. A algunos se les hizo pesada la película. Creo que puede ganar, y mucho, con un segundo visionado, y desde luego sales del cine con ganas de repetir. Puede que sea cosa mía, pero la cinta tiene un par de cortes que me hacen pensar que hubo o tijerezazo forzoso, o eliminación de tomas en el último momento, como las de la parte de la fuga del gulag, trepidante, no te digo que no, pero ni puta idea de como salen.

Weir, gracias por pasar de efectos especiales, 3D y mierdas (aunque economicamente te fuera imposible) y dedicarte a contar historias, no solo con palabras, sino con imágenes, evocando sentimientos en el espectador (desde un sollozo a un ignorante bostezo). Gracias, tío. Tu cine es de lo poco bueno que queda.

Ahora. Lo que está ocurriendo con esta cinta. El abandono de las grandes distribuidoras, de los premios de la crítica. Una marginación que me asquea, porque la próxima vez que vaya al cine, y vea "lo que hay", y "lo que no hay", me preguntaré porque algunos de los mejores de la industria del cine son tratados de este modo.

¿Conocéis esa expresión de "Ahí va, ¿qué hacen estas patatas en mi bolsa de aire?"? Yo me preguntaré, ¿qué hacen ese par de peliculones en mi cartelera llena de mierda?

Mi nota: Un 9,5

De lo mejor del año.

One, Two, Three... genial Wilder!

2011-01-07T15:59:00.000-08:00

Quizás una de las últimas obras maestras del genio Billy Wilder, y seguramente de las más originales y brillantes.

La acción transcurre en mi amada Berlin, aunque en el lado occidental, en plena guerra fría. C. R. MacNamara es el representante de Coca-Cola en Berlin, y su objetivo es traspasar la frontera para comerciar el refresco en la Unión Sovietica y así ascender para alcanzar el puesto de sus sueños en Londres. Pero entonces se le presenta una nueva oportunidad, Scarlett, la alocada hija de su jefe, es enviada un tiempo a Berlín al cuidado de MacNamara. Este cree poder controlar a la joven, pero nada más lejos de la verdad, ya que se entera de que se ha fugado todas las noches para reunirse con un joven comunista, Otto, con el cual se ha casado. MacNamara consigue deshacerse de él hasta que descubre que la chica está embarazada; es entonces cuando la acción cobra una velocidad aún superior a la anterior teniendo el viejo y conservador capitalista rescatar al joven e idealista comunista para convertirlo en todo un caballero alemán ante la inminente llegada de su jefe para descubrir a su nuevo "hijo".

Puede que la comedia más famosa de Wilder sea "Con faldas y a lo loco", pero creo que esta es la mejor ya que es la que está mejor trabajada, mejor escrita, dirigida, y cuyo mensaje es más crítico que nunca. La película en si es una coña a la propia guerra fría, y ello lo vemos reflejado en los distintos personajes, estereotipos de ambos lados. El protagonista, MacNamara, como decía anteriormente, viejo y conservador capitalista, frio, calculador, visionario, ambicioso, algo verde con una secretaria despampanante; Otto, joven comunista que cree en la patria y en el partido por encima de todo; la joven Scarlett, joven, pija e ingenua americana enamorada del revolucionario ruso; los tres rusos de la misión comercial, divertido guiño a los tres rusos de Ninothcka, también escrita por Wilder.

El tipo de humor de la película, cínico a más no poder. Se ríe de todo y de todos. La situación entre las dos grandes potencias; los defectos de una y otra; sus personajes. Un chiste detrás de otro, a un ritmo que te deja sin aliento y que no te permite reír sin perderte el siguiente. Personalmente siempre he creido que Wilder lo dio todo con esta película, y el resultado es maravilloso. Una interminable serie de gags, juegos de palabras, guiños históricos (el ayudante de pasado nazi, sensacional). Y otro final perfecto, durante toda la película Coca-Cola, sí, pero al final Pepsi; ¿lo entendéis? TODOS reciben. No podía ser mejor.

En serio, la comedia perfecta para pasar un buen rato si tiene un mínimo de inteligencia y cultura.

Mi nota: 9